Nauman nació en 1941, en Estados Unidos, artista conceptual, fue uno de los primeros artistas en usar el neón, es escultor, fotógrafo, performancista, estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin - Madison y artes en la Universidad de California Davis, en los 80 se mudó a Nuevo Méjico, poco despues de graduarse tenia la confrontación de si, ' si era un artista y estaba en el estudio, entonces todo lo que el hiciera debía ser arte' en ese momento el arte se convirtió para el más en una actividad y menos en un producto. Entre 1966 y 1970 realizó varios vídeos en el que utilizaba su cuerpo para explorar el potencial de arte y el rol del artista, e investigar los estados psicológicos y códigos de conducta, otra gran parte de su trabajo se centra en el lenguaje y su ambivalencia, por ejemplo, el neón 'run for fear - fun from rear' (corre por miedo - diversión desde atrás) o la fotografía 'bound to fail' (atado al fracaso) en la cual se muestran sus brazos atados a la espalda. Sin embargo hay una seria preocupación, pareciera estar fascinado por la naturaleza de la comunicación y los problemas inherentes al lenguaje, así como también el rol que cumple el artista como supuesto comunicador y manipulador de símbolos visuales.
Historias del arte de por acá
jueves, 31 de mayo de 2012
Pepón Osorio
Nació en Santurce, Puerto Rico 1955. Es bien conocido por sus instalaciones a gran escala, estudió en la Universidad Interamericana en Puerto Rico y en el H. Herbert Lehman College de Nueva York, sus obras están influenciadas por su labor como trabajador social en el Bronx, sus obras van fluyendo a medida que va conociendo e interactuando con la gente de los vecindarios, el dice que su labor principal es: 'devolver el arte a la comunidad', un ejemplo reciente es 'la casa de Tina' un proyecto que realiza con la colaboración de una familia que se esta recuperando de haber perdido su hogar en un incendio, La casa es una obra del tamaño de una sobremesa, cuenta la historia de la noche del incendio y quienes fueron los afectados, la pieza está viajando por el país en una serie de "visitas domiciliarias" visita la casa le pide a nueva familia que la aloje y tiene que vivir con la obra por un período de al menos una semana, permitiendo que la historia de la "Casa de Tina" llegue a diferentes hogares y entornos.
El trabajo de Osorio ha-sido expuesto en el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, El Museo del Barrio, Nueva York, Smithsonian American Art Museum, Washington, DC, El Museo de Arte de Puerto Rico, y El Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico
El trabajo de Osorio ha-sido expuesto en el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, El Museo del Barrio, Nueva York, Smithsonian American Art Museum, Washington, DC, El Museo de Arte de Puerto Rico, y El Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico
Barry Mcgee
1966, estados unidos. Hizo el bachillerato en 'El Camino High School' al sur de San Francisco, California. Más tarde se graduó en el instituto de arte de San Francisco (1991) con especialización en pintura y grabado.
McGee era parte del movimiento 'the Mission School' y el boom del graffiti en San Francisco en el area de la bahía, a principios de los 90.
Sus trabajos se basan en gran medida en una visión pesimista de experiencias de la población urbana, que el describe como, “males urbanos, sobreestimulacion, frustraciones, adicciones e intentando controlar el constante bombardeo publicitario ”.
Las pinturas de McGee son muy iconicas, con dominantes figuras centrales, con fondos abstractos, y dripings, parones, campos de color. Tambien ha hecho retratos de personajes de la calle en sus propias botellas de licor vacías, en latas de spray aplanadas que recoje en los patios de trenes, y carros derby demolición.
Sus trabajos se basan en gran medida en una visión pesimista de experiencias de la población urbana, que el describe como, “males urbanos, sobreestimulacion, frustraciones, adicciones e intentando controlar el constante bombardeo publicitario ”.
Las pinturas de McGee son muy iconicas, con dominantes figuras centrales, con fondos abstractos, y dripings, parones, campos de color. Tambien ha hecho retratos de personajes de la calle en sus propias botellas de licor vacías, en latas de spray aplanadas que recoje en los patios de trenes, y carros derby demolición.
ha tenido numerosas exposiciones de arte en muchos tipos de galerias.
Se casó con Margaret Kilgallen, quien murió de cancer en el 2001. tuvieron una hija unas semanas antes de su muerte a la que llamaron Asha.
El valor de su trabajo se elevo en el 2001, a causa de haber sido incluido en la bienal de Venecia y en otras exposiciones importantes, por esto muchas de sus obras en las calles de San Francisco han sido robadas o 'rescatadas'
Sally Mann
Sally Mann Nació un 1 de mayo de 1951 Lexington (Virginia) donde aún vive con su esposo Larry, abogado de profesión, con quién tuvo tres hijos: Jessie, Emmett y Virginia, protagonistas de algunos de sus mejores retratos.
Su trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas controversias desatadas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía. Uno de los usos más frecuentes de la fotografía es retratar la intimidad, hacer público lo que antes era privado. En esta línea trabajan artistas de la talla de Nan Goldin o Nobuyosi Araki, pero la obra de Sally Mann destaca tanto por técnica como por contenido. Para su primer libro, titulado Second Sight y publicado en 1984, reunió las imágenes que había tomado durante los años que estuvo trabajando en Washington y en la Universidad de Lee. En 1988 vio la luz At Twelve: Portraits of Young Women, una recopilación de miradas de adolescentes que buscaban identidad.
De la serie At Twelve- 1983-1985 |
Años después el público pudo disfrutar del libro más conocido de Sally Mann, Immediate Family, publicado en 1992. La obra consta de 65 imágenes en blanco y negro en las que la artista muestra a sus hijos, todos menores de diez años. Nos enfrentamos, a escenas llenas de cotidianidad que invitan a reflexionar sobre la infancia y la pubertad con todos sus elementos inherentes, pero que también profundiza en una temática mucho más oscura, plagada de sexualidad y muerte. Sally Mann tiene algo que me encanta y es que tenemos la oportunidad de deleitarnos con unas imágenes que personalmente encuentro de una delicadeza brutal, de una atmósfera tan etérea como la misma infancia y la vida misma, lo se, es Sally Mann y a algunos les puede parecer que está sobre valorada, al final de la entrada dejo un link a uno de sus libros, a ver si cambian de parecer (: Immediate Family desató controversia, hasta el punto de que una de sus imágenes, Virginia at 4, fue censurada al considerarse cercana a la pornografía infantil.
En los noventa comenzó a fotografiar paisajes usando el método del colodión húmedo y una vieja cámara de 8×10. A partir de estas escenas creó Still Time. es una obra marcada por la muerte, y la nostalgia, plagada de sangre, cadáveres y descomposición. De las cinco partes en las que está dividida sólo la quinta es aparentemente más amable, ya que recurre a primeros planos de los rostros de sus hijos.
En los noventa comenzó a fotografiar paisajes usando el método del colodión húmedo y una vieja cámara de 8×10. A partir de estas escenas creó Still Time. es una obra marcada por la muerte, y la nostalgia, plagada de sangre, cadáveres y descomposición. De las cinco partes en las que está dividida sólo la quinta es aparentemente más amable, ya que recurre a primeros planos de los rostros de sus hijos.
Actualmente está trabajando en una serie sobre su marido, afectado por una distrofia muscular.
Una de las características que le destaca de otros fotógrafos es la técnica del 'revelado' un método casi olvidado que revolucionó el siglo XIX, Gustave Le Gray creó este proceso en 1845, consiste en extender sobre una placa de vidrio una capa de colodión mezclado con éter sobre la que se aplica otra capa de emulsión química, que posteriormente será revelada mediante sulfato de protóxido de hierro, el colodión es una especie de barniz que se vierte líquido a las placas y se sensibilizaba en nitrato de plata. Es una técnica compleja, ya que la placa debe permanecer húmeda durante el tiempo de exposición y el vidrio debe estar muy limpio para que no hayan manchas y la fotografía quede nítida.
Página oficial
Richard Serra
(San Francisco, Estados Unidos; 2 de noviembre de 1939) escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar con grandes piezas de acero corten un tipo de acero que no permite que las piezas se corroan con el tiempo, como si fuera impermeable. El trabajo más temprano de Serra era completamente abstracto; hecho de plomo fundido lanzado contra la pared de un estudio o de un espacio de la exposición, era un claro ejemplo del process art.
En 1981, Serra instaló el Tilted Arc, un muro de acero de 3.5 metros de altura curvado suavemente en la plaza federal en Nueva York, los trabajadores protestaron hasta que al fin la cambiaron de lugar en 1989.
Otro trabajo famoso de Serra es Snake (Serpiente), este fue establecido permanentemente en la galería más grande del Museo Guggenheim Bilbao. En 2005, el artista presento en el mismo museo, un conjunto escultórico titulado "La materia del tiempo".entrando a formar parte de la colección del museo. Expuestas tambien de forma permanente en la sala más grande del edificio de Frank O. Gehry, siete esculturas se unen a Snake (Serpiente) , creada para la inauguración del Museo Guggenheim Bilbao, conformando una instalación que el propio autor considera la creación más importante de su carrera. En 2006, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid anunció que una de sus esculturas, Equal-Parallel-Guernica-Bengasi, de 36 toneladas, “había sido perdida.” Serra realizó gratis un duplicado, que llegó al museo en diciembre de 2008 y que está expuesta al público en su colección permanente a partir de diciembre de 2009.
Refiriendose a 'Tilted Arc' Serra dijo: 'Quitar el trabajo sería destruirlo, o es ahí o no será' La descomunal escultura fue desmantelada y convertida en chatarra, convulsionando al escenario cultural.
¿Quién decide dónde situar el arte? ¿Los políticos? ¿La ciudadanía? ¿Los artistas? Según, Serra dijo: El arte no es placentero. No es democrático. El arte no es para el pueblo.
'Charlie Brown', año 2000,central de Gap Inc., San Francisco |
Su obra, en cambio, desmiente tan arriesgada afirmación. No hace falta saber nada para admirar su monumentalidad. Lejos de abrumar, las medidas de sus esculturas incitan al espectador a olvidar su rol pasivo, obligándolo a tocarlas y pasear entre ellas.
miércoles, 30 de mayo de 2012
Beautiful Losers
es un documental del año 2008 dirigido por Aaron Rose y co-dirigido por Joshua Leonard. Cuenta con la particupación de varios artistas, entre ellos Harmony Korine, escritor de películas independientes de culto como Kids y Gummo La cinta se centra en la carrera y el trabajo de un grupo de artistas que desde la década de 1990 comenzó un movimiento en el mundo del arte utilizando la estética do it yourself del skateboarding, graffiti y la música underground…
Bajatelo/downloadit!/shhhh ;)
martes, 29 de mayo de 2012
Marisol Escobar
Bueno, resulta que esta guapa señorita Hija de Gustavo Escobar y Josefina Hernández ambos venezolanos, nacida en parís en 1930, es una gran exponente del pop art a nivel mundial, fue la única mujer activa durante el movimiento.
Durante la segunda guerra mundial la familia se estableció en Caracas, y en 1946 se mudaron a Los Angeles, California, estudió en el Marymount High School en Sunset Boulevard. En esta escuela tuvo problemas con las monjas que consideraron su personalidad como una mala influencia para las demás chicas, por lo que fue transferida a la exclusiva Westlake School for Girls y es en ese entonces donde empieza a desarrollar su carrera artística. Tuvo a Howard Warshaw como profesor de dibujo en el Jepson Art Institute de los Ángeles. Al terminar el bachillerato se fue a Francia y estudió por un año en la Ecole des Beaux Arts de París. Luego se muda a Nueva York y estudia en la Hans- Hoffman-School en Provincetown y en la Art students league, Nueva York. Crea sus primeras esculturas de madera y piezas de plástico. en 1958 fue su primera exposición individual en la Leo Castelli Gallery, de Manhattan, donde volvería a exponer entre octubre y noviembre de ese mismo año junto a Robert Rauschenberg y Jasper Johns en la exposición New Works, participa en el festival of Two worlds en Spoleto.
Durante la segunda guerra mundial la familia se estableció en Caracas, y en 1946 se mudaron a Los Angeles, California, estudió en el Marymount High School en Sunset Boulevard. En esta escuela tuvo problemas con las monjas que consideraron su personalidad como una mala influencia para las demás chicas, por lo que fue transferida a la exclusiva Westlake School for Girls y es en ese entonces donde empieza a desarrollar su carrera artística. Tuvo a Howard Warshaw como profesor de dibujo en el Jepson Art Institute de los Ángeles. Al terminar el bachillerato se fue a Francia y estudió por un año en la Ecole des Beaux Arts de París. Luego se muda a Nueva York y estudia en la Hans- Hoffman-School en Provincetown y en la Art students league, Nueva York. Crea sus primeras esculturas de madera y piezas de plástico. en 1958 fue su primera exposición individual en la Leo Castelli Gallery, de Manhattan, donde volvería a exponer entre octubre y noviembre de ese mismo año junto a Robert Rauschenberg y Jasper Johns en la exposición New Works, participa en el festival of Two worlds en Spoleto.
En 1961, fue incluida en la exhibición "The Art of Assemblage" (El arte del ensamblaje) del Museo de Arte Moderno de Nueva York, la cual se llevó a cabo entre el 2 de octubre y el 12 de noviembre allí Marisol expuso su obra "From France" al lado de artistas ya establecidos del siglo XX como Marcel Duchamp y Pablo Picasso.
En los años 1960 perfeccionó su destreza en la talla de madera, comenzó a trabajar con objetos que se encontraba en la calle e incluso su propia ropa, que al lado de imágenes, tallas o modelos de ella misma, dieron a sus trabajos elementos como de autoreferencia que de alguna manera solidificaron su identidad. por ejemplo en la pieza "Los Generales" (1961-1962), aparecen George Washington y Simón Bolívar montados en un caballo hecho con un barril, las manos de ambos son un modelo de las de Marisol, tambien satirizaba a las personas o situaciones que representaba, criticando la banalidad de la cultura popular y la sociedad en general de ese entonces. Esta es parte de la historia de como Marisol se convirtió en protagonista del movimiento pop de Nueva York junto a artistas como Roy Lichtenstein y Andy Warhol, a pesar de que rara vez utilizaba imágenes comerciales en sus obras...
domingo, 27 de mayo de 2012
Colección de sonidos-
So what’s the future of file-sharing from your point of view? does it have one?
“there will always be file-sharing. the thing is that megaupload was shut down because they were serving lady gaga and microsoft products, not john cage. the avant-garde is always safe because it files way beneath the radar. it’s funny because ubuweb is available in china, although it contains loads of sexual, violent and politically subversive work. but if the authorities come to the front page of ubu, they see a lot of red and black text with names they’ve never heard of and an image of an old man, samuel beckett. they must think it’s a site for pensioners.”
— kenneth goldsmith
— kenneth goldsmith
sábado, 26 de mayo de 2012
Confesiones de un ególatra por Otrova Gomas
Jaime Ballestas, otro vago más. |
Para ello establecí un riguroso programa que imprimí en la única tarjeta que, dirigida a mi mismo, establecía el orden de los actos de aquella trascendental velada: primero, el discurso introductorio en el cual se destacaban mi labor patriótica así como el extraordinario aporte a la cultura universal y a la paz y la comprensión entre los hombres. Después del discurso procedería a condecorarme con la orden de mi persona en primer grado y seguidamente haría un brindis haciendo votos por una larga y exitosa vida con tan brillante trayectoria.
En el programa se establecía que después de colocarme la cinta frente al espejo, tomaría asiento para un exquisito banquete preparado para la solemne ocasión, en el cual, como invitado solitario, ocuparía el lugar de honor.
El acto se llevó a cabo a la hora prevista. Vestido de rigurosa etiqueta tomé asiento en la amplia biblioteca de mi casa, y bajo los acordes de una moderna melodía de Mozart me serví un trago de excelente whisky. Confieso que me sentía nervioso. Poco acostumbrado a los actos pomposos y a los homenajes, mordía insistentemente la boquilla de mi pipa mientras daba vueltas por la sala sonriendo amablemente cada vez que me veía en el espejo.
Cuando llegó el momento de tomar la palabra para el discurso de orden se me hizo un nudo en la garganta. No obstante, expuse de una manera magistral, plagada de inusitada sencillez y profundidad, la importancia de mi labor y de mi vida. Fue una síntesis precisa de mis virtudes de mi mágica personalidad, inteligencia y genio desbordante. Interrumpido a cada instante por mis aplausos hice especial hincapié en la graciosidad de mi varonil figura tan propia de los predestinados. Al concluir, el largo aplauso que me brindé por tan brillante pieza oratoria me obligó a inclinar varias veces la cabeza en señal de agradecimiento. Después de imponerme la condecoración me felicité sin poder ocultar el orgullo que me producía conocerme y poder disfrutar siempre de mis eminentes cualidades.
La cena fue maravillosa. De entrada me serví un coctel de caviar rojo del Volga con salsa Bouterlied acompañado de un Pinot Bouvoir 1945 de Le Roi. Luego de una increíble sopa boullibase, degusté un inolvidable moulie de corazones de aves variadas a la Domaine saboreando un increíble Lafite-Rothschild 1832. De postre flan kirschestrassen vienés con fresas gigantes.
Al finalizar aquella fastuosa cena me dirigí al sofá principal de la casa, y encendiendo un Montecristo acompañado de cognac Napoleón reserva especial, bajo las suaves notas del adagio de Albinoni cambié francas impresiones sobre mis dotes, mi pasado hermoso y mi prometedor futuro.
Fue un acto sencillo pero muy emotivo y lleno de verdadera sinceridad y afecto. El hecho de haber reconocido mis méritos y el aprecio bien merecido que me profeso me dejaron profundamente conmovido y lleno de honda satisfacción.
La noche culminó haciéndome un justo regalo y después de despedirme prometí homenajearme con más frecuencia, absolutamente convencido de ser, para mí, la persona más digna de tan justa pleitesía.
viernes, 25 de mayo de 2012
El kakuy.
En el campo vivían dos hermanos, un varón y una niña. El hermano era muy trabajador, y además un hombre realmente bueno. Estaba siempre en el campo y cuando regresaba a su hogar siempre le traía regalos y frutos silvestres a su hermana, además de todo lo necesario para vivir. La hermana era haragana y desordenada, le costaba mantener el rancho ordenado y cuando el hermano venía cansado de su trabajo, ella nunca lo recibía como merecía.
Un día él, regreso muy agotado luego de una dura jornada de trabajo en el campo y le pidió un poco de miel, la hermana fue a buscar el frasco pero antes de dárselo lo derramó en su presencia.
Al día siguiente ocurrió lo mismo pero esta vez con la comida. De a poco la paciencia de este muchacho se fue acabando y decidió castigar la maldad de su hermana.
Una tardecita la invitó a ir a recoger miel fresca la llevo muy dentro del campo. Cuando llegaron a un quebracho de copa muy grande el hermano la invitó a subir e ir por la miel, juntos lograron llegar hasta lo más alto del árbol, entonces fue allí cuando el hombre comenzó a descender, desgajando el árbol a medida que iba bajando, cortándole todas las ramas, de manera que su hermana no pudiera bajar. El hombre se bajó y se alejó, la hermana quedó allí en lo alto del árbol con mucho miedo.
Al caer la noche su temor se trasformó en terror. Con el correr de los minutos, horrorizada notó que sus pies se convertían en garras, sus manos en alas y que el total de su cuerpo estaba cubierto por plumas.
Desde entonces, el pájaro sale sólo de noche, sufre el abandono y clama por su hermano rompiendo el silencio de la noche del monte. Su grito desgarrador es de “¡Turay…Turay!”, que en quechua quiere decir “¡Hermano…Hermano!”.
Al día siguiente ocurrió lo mismo pero esta vez con la comida. De a poco la paciencia de este muchacho se fue acabando y decidió castigar la maldad de su hermana.
Una tardecita la invitó a ir a recoger miel fresca la llevo muy dentro del campo. Cuando llegaron a un quebracho de copa muy grande el hermano la invitó a subir e ir por la miel, juntos lograron llegar hasta lo más alto del árbol, entonces fue allí cuando el hombre comenzó a descender, desgajando el árbol a medida que iba bajando, cortándole todas las ramas, de manera que su hermana no pudiera bajar. El hombre se bajó y se alejó, la hermana quedó allí en lo alto del árbol con mucho miedo.
Al caer la noche su temor se trasformó en terror. Con el correr de los minutos, horrorizada notó que sus pies se convertían en garras, sus manos en alas y que el total de su cuerpo estaba cubierto por plumas.
Desde entonces, el pájaro sale sólo de noche, sufre el abandono y clama por su hermano rompiendo el silencio de la noche del monte. Su grito desgarrador es de “¡Turay…Turay!”, que en quechua quiere decir “¡Hermano…Hermano!”.
El Kakuy (leyenda Quechua)
Toda alegría es así: ya viene envuelta en el fino papel de una tristeza...
Esa cita me llevó a Millôr Fernandes (Rio de Janeiro, 16 de agosto de 1923 - 27 de marzo de 2012), Fue un humorista, ilustrador, periodista, dramaturgo brasileño, Comenzó trabajando en la redacción de la revista O Cruzeiro, a partir de entonces dejo marca en la prensa brasileña y en los principales medios de comunicación en el país. Tuvo una carrera prolífica y diversa que se extiende a el periodismo, la literatura, las artes, el teatro, el cine e incluso los deportes. En sus obras solía hacer uso del humor para criticar el poder y las fuerzas dominantes, por lo tanto, constantemente se enfrentaba a la censura. En la cultura brasileña era visto como una figura importante y revolucionaria, se intereso en el campo de la traducción de piezas de teatro.
Tuvo una vasta producción literaria, el estilo de Millôr provenía de una especial atención a los acontecimientos cotidianos -interpretada a la luz de un refinado humor -. Que a menudo las formas y las referencias se modificaron para dar paso al discurso del humor Sin embargo, esto no fue siempre su objetivo, en una ocasión, le preguntaron si quería ser llamado un ¿comediante o escritor?, eligió la segunda opción:. "Nadie es cómico todo el tiempo y yo, en la mayoría de los casos, no sé si estoy escribiendo algo divertido o no "
Honesto? señor me va usted a disculpar pero aquí en el senado no hay nadie con ese nombre. |
Lula, Tenemos confianza ciega en ti! |
jueves, 24 de mayo de 2012
Hija del viento
Han venido.
Invaden la sangre.
Huelen a plumas,
a carencias,
a llanto.
Pero tú alimentas al miedo
y a la soledad
como a dos animales pequeños
perdidos en el desierto.
Han venido
a incendiar la edad del sueño.
Un adiós es tu vida.
Pero tú te abrazas
como la serpiente loca de movimiento
que sólo se halla a sí misma
porque no hay nadie.
Tú lloras debajo del llanto,
tú abres el cofre de tus deseos
y eres más rica que la noche.
Pero hace tanta soledad
que las palabras se suicidan.
Alejandra Pizarnik
tú abres el cofre de tus deseos
y eres más rica que la noche.
Pero hace tanta soledad
que las palabras se suicidan.
Alejandra Pizarnik
MBA
La inauguración del MBA (Museo de Bellas Artes) fue en Febrero de 1938, en ese momento no tuvo la repercusión que hoy podríamos imaginar, la noticia se inserta en la primera pagina de los diarios venezolanos, pero la guerra civil española y la escala política del partido nacional socialista en Alemania tuvieron más peso.
Los progresos de la economía solo comienzan a hacerse patentes a partir de los años 70, se tuvo que convencer tanto a la gente como al estado de los beneficios espirituales que aporta el contacto directo y continuo con las obras de arte, el MBA ha tenido una gran influencia en el cambio de actitud del estado. Durante más de 20 años fue prácticamente el único museo venezolano de artes plásticas o visuales...
En 1959 el pintor Armando Barrios asume la dirección del MBA se entra en una nueva etapa, esta circunstancia, es sin duda un reflejo más de que la vieja generación del circulo de Bellas Artes comienza a ser revelada en los puestos directivos de la cultura nacional por la nueva generación de los Disidentes, quienes contrariamente a la actitud asumida por esos predecesores se abren sin prejuicios a los jóvenes artistas y por ende a las nuevas tendencias plásticas, promoviendo a un tiempo la inserción de Venezuela en las corrientes estéticas internacionales.
Las nuevas ideas de esta generación de relevo producen en la conducción del MBA un cambio drástico, aun cuando este parece haberse producido de modo imperceptible. Armando Barrios, dicen que, hombre de mucho tacto, parece estar capacitado para enrumbar al museo por otros derroteros sin fricciones ni rupturas, se inicio también la dirección de arte interamericano, bajo su administración se crea la sociedad de amigos del MBA, programan la muestra de grandes maestros italianos, se presentan con más frecuencia muestras individuales o colectivas de los venezolanos jóvenes Luis Guevara Moreno, Regulo Perez, Jacobo Borges, Omar carreño, Jesús Soto, de modo que con Barrios empiezan a encontrar cabida en el MBA las nuevas tendendencias de la plástica nacional.
En la década del 50 nuestro país compite en varias ediciones de la Bienal Hispanoamericana de arte la primera fue en Madrid en 1952, la segunda en la Habana, Venezuela participa también en la bienal de Sao Paulo, el primer secretario de de la embajada del Brasil invita a los artistas, hubo un poco de resistencia al principio por que las relaciones del MBA con los artistas invitados no estaban en su mejor estado, pero! se enviaron, se enviaron las obras de 11 artistas Venezolanos, Hector Poleo obtuvo placa de plata en esa II bienal. Por otra parte el arquitecto Graziano Gasparini propicia las primeras participaciones venezolanas en la bienal de Venecia, luego de esto vinieron muchas bienales más, París, Cordoba, V Y VII bienal de Sao Paulo, en esta ultima deciden enviar a Jesús Soto, al tiempo que también seleccionan a (para acompañar el envió central de soto) Hector Poleo, Alejandro Otero, Mercedes Pardo, Carlos Cruz Diez y Jacobo Borges, Soto fue designado comisario por Venezuela, y viaja a Sao Paulo con un pasaje donado por Boulton, Villanueva, Y Hans Neumann, Soto gana el premio Wolf ( Premio Latinoamericano).
Se organiza oficialmente la III bienal de París para la que se escoge a Jacobo Borges y a Francisco Hung (que obtendrá mención honorifica)
Los progresos de la economía solo comienzan a hacerse patentes a partir de los años 70, se tuvo que convencer tanto a la gente como al estado de los beneficios espirituales que aporta el contacto directo y continuo con las obras de arte, el MBA ha tenido una gran influencia en el cambio de actitud del estado. Durante más de 20 años fue prácticamente el único museo venezolano de artes plásticas o visuales...
En 1959 el pintor Armando Barrios asume la dirección del MBA se entra en una nueva etapa, esta circunstancia, es sin duda un reflejo más de que la vieja generación del circulo de Bellas Artes comienza a ser revelada en los puestos directivos de la cultura nacional por la nueva generación de los Disidentes, quienes contrariamente a la actitud asumida por esos predecesores se abren sin prejuicios a los jóvenes artistas y por ende a las nuevas tendencias plásticas, promoviendo a un tiempo la inserción de Venezuela en las corrientes estéticas internacionales.
En la década del 50 nuestro país compite en varias ediciones de la Bienal Hispanoamericana de arte la primera fue en Madrid en 1952, la segunda en la Habana, Venezuela participa también en la bienal de Sao Paulo, el primer secretario de de la embajada del Brasil invita a los artistas, hubo un poco de resistencia al principio por que las relaciones del MBA con los artistas invitados no estaban en su mejor estado, pero! se enviaron, se enviaron las obras de 11 artistas Venezolanos, Hector Poleo obtuvo placa de plata en esa II bienal. Por otra parte el arquitecto Graziano Gasparini propicia las primeras participaciones venezolanas en la bienal de Venecia, luego de esto vinieron muchas bienales más, París, Cordoba, V Y VII bienal de Sao Paulo, en esta ultima deciden enviar a Jesús Soto, al tiempo que también seleccionan a (para acompañar el envió central de soto) Hector Poleo, Alejandro Otero, Mercedes Pardo, Carlos Cruz Diez y Jacobo Borges, Soto fue designado comisario por Venezuela, y viaja a Sao Paulo con un pasaje donado por Boulton, Villanueva, Y Hans Neumann, Soto gana el premio Wolf ( Premio Latinoamericano).
Se organiza oficialmente la III bienal de París para la que se escoge a Jacobo Borges y a Francisco Hung (que obtendrá mención honorifica)
Venezuela siempre llega bien y en orden (Christian Sorenson director de la bienal de Cordoba)*Dicen que Villanueva diseño el museo como en 5 horas porque lo necesitaban para finiquitar el proyecto de la construcción.
domingo, 20 de mayo de 2012
Street, 2011
Todd James, Barry McGee, Stephen Powers, Devin Flynn, Josh Lazcano, Dan Murphy, and Alexis Ross
Installation at "Art In The Streets", The Geffen Contemporary at MOCA
Blago bung, blago bung, bosso fataka!
Quiero que me cantes un blues! antes que vuelva la luz!♫
Sí, antes de escribir el articulo se fue la luz, y pensaba: necesito una nueva U.P.S, una señora se oía a lo lejos dándole golpes con una cuchara a una de sus hoyas, sartén, cacerola, con mucho fervor,(no se de donde saco que era una señora pero me imaginé que lo era)... La tertulia de señoras luego de rezar su rosario como todos los fines de semana se quedo a la luz de las velas también; 'esa se va a quedar es sin hoya' comento una, oí palabras como imparcialidad, chavez, y, ¡que raro! si cerca tenemos unas plantas, pero para mi que no hacen nada, dijo otra... mientras yo buscaba con que prender mis respectivas velas y consecutivamente me tropezaba con una silla, saltaba en un pié, maldecia la silla y acercaba el yesquero a las velas, para luego sentarme a escoger que iba ir en el artículo del blog...
y ahora que llegó la luz la cosaSí, antes de escribir el articulo se fue la luz, y pensaba: necesito una nueva U.P.S, una señora se oía a lo lejos dándole golpes con una cuchara a una de sus hoyas, sartén, cacerola, con mucho fervor,(no se de donde saco que era una señora pero me imaginé que lo era)... La tertulia de señoras luego de rezar su rosario como todos los fines de semana se quedo a la luz de las velas también; 'esa se va a quedar es sin hoya' comento una, oí palabras como imparcialidad, chavez, y, ¡que raro! si cerca tenemos unas plantas, pero para mi que no hacen nada, dijo otra... mientras yo buscaba con que prender mis respectivas velas y consecutivamente me tropezaba con una silla, saltaba en un pié, maldecia la silla y acercaba el yesquero a las velas, para luego sentarme a escoger que iba ir en el artículo del blog...
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D así :
A
D
Á
i s M O,
¿El monstruo nihilista?
Se dice que el cataclismo europeo de la Primera Guerra Mundial hizo imposible que los artistas, que se sentían comprometidos, responsables, huyeran hacia la filosofía, porque dicha guerra hizo que de algún modo las grandes palabras y frases sonaran sospechosas, la única reacción posible parecía ser la meramente radical. En cuanto al nihilismo , la mayoría de los dadaístas no lo propagaron, sino que sólo registraron su existencia.
Su insurrección unificó a artistas y escritores internacionales, individuos librepensadores de Nueva York a Zúrich, de Colonia a París, de Berlín a Hannóver, con reminiscencias que repercutieron en Londres, San Francisco, Moscú, Budapest y Tokio. No hubo ninguna corriente del siglo XX que fuera tan global, se publicaron diarios dadaístas en Suiza, Italia, los Países Bajos, , Alemania, Austria, Hungría, Serbia, Rumanía, Polonia y Estados Unidos.
Fue una expresión de aversión , inquietud y desesperación ante un mundo en que
El 5 de Diciembre de 1916 se inauguro en Zúrich, el 'Cabaret Voltaire', organizaron 'espantapajaros contra la guerra' dijo una vez Arp, y reaccionaron, reaccionaron con poesía compuesta de chillidos, gruñidos, (cuando leí esto no paraba de imaginar a un niño tapándose los oídos repitiendo ¡lálálálálálálá!) manifiestos chocantes; algo nuevo salió a la luz, el encanto de lo ilógico, la poesía de lo absurdo y grotesco, se consiguieron nuevos materiales para el arte. Su antiarte se convirtió en arte.
"todo va bien, pero la gente ya no"Como dijo alguna vez Hugo Ball, uno de los padres espirituales de la rama de Zúrich del movimiento.
El 5 de Diciembre de 1916 se inauguro en Zúrich, el 'Cabaret Voltaire', organizaron 'espantapajaros contra la guerra' dijo una vez Arp, y reaccionaron, reaccionaron con poesía compuesta de chillidos, gruñidos, (cuando leí esto no paraba de imaginar a un niño tapándose los oídos repitiendo ¡lálálálálálálá!) manifiestos chocantes; algo nuevo salió a la luz, el encanto de lo ilógico, la poesía de lo absurdo y grotesco, se consiguieron nuevos materiales para el arte. Su antiarte se convirtió en arte.
Poema sonoro 'Karawane ' por Hugo ball |
¡El dadaísmo esta a favor de los sueños, de las mascaras coloreadas de papel, de los timbales, de los poemas sonoros, las concresiones, los 'poemes statiques', a favor de cosas que no están lejos de cortar flores y hacer ramos con ellas! dijo Arp.
No solo estaban Arp y Ball también hay que incluir a Sophie Taeuber - Arp pintora y escultora suiza, esposa de Jean Arp, el poeta y ensayista Tristan Tzara, Marcel Janco pintor y arquitecto rumano que más tarde emigraría a Israel.
En Berlín el dadaísmo se tornó aun más insurrecto, Johannes Baader mientras asistía a una misa en la catedral de Berlín, respondió a la pregunta retórica del pastor '¿que significa hoy para nosotros Jesucristo?' alto y claro proclamo, '¡para los de tu calaña no significa nada, maldita sea!' Raoul Hausmann realizo criticas institucionales, George Grosz sería procesado en diversas ocasiones por incitación al odio de clases, ofensa al pudor, vilipendio a la religión y otras razones. En 1921, es acusado de injurias a las fuerzas armadas, y condenado a una multa de 300 marcos. Además se destruirá el conjunto Gott mit uns (Dios con nosotros), obra satírica sobre la sociedad alemana
George Grosz, 1930.
George Grosz, 1930. No tengas miedo es vegetariano - Jhon Heartfield
Hanna Hösch, Grosz, Jhon Heartfield y su hermano Wieland Herzfelde trabajaron con algo que llamaban 'hiperrealismo satírico' experimentaron con el fotomontaje, que combinaban con sátiricos textos breves... Una linea recta conduce de Jhon Heartfield a Klaus Staeck. En Colonia, Alemania Max Ernst fué la figura dadaísta más destacada, la obra de Ernst contiene anticipaciones del escenario surrealista. 'El arte' explicaba Kurt Schwitters 'es un concepto primordial, sublime como la divinidad, inexplicable como la vida, indefinible y gratuito' los colages de Schwitters estaban hechos con papel, madera, tela, latón, alambre y arpillera, bajo su mano, los billetes de tranvía, las ruedas de los coches para bebés, las latas, periódicos amarillos, cordel, pelos, clavos, las raíces podridas se transformaban en otra realidad, veía estos objetos de manera poética les daba otro significado... Ahora usted señor o señora lectora:
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