Un webcómic de sarcasmo, romance, matemáticas...

Randall Munroe se graduó en la Universidad de Christopher Newport con un grado en física, y empezó su carrera trabajando como robotista en el centro de investigación Langley de la NASA, sin embargo es famoso por sus 'webcómics', (para los que no saben de que se trata, es decir que en su mayoría son publicados en la web solamente) Natural de Chesterfield, Virginia, y actualmente residenciado en Massachusetts.

La semana pasada publicó su tira ¡#1110!
¡clikee y arraaaaaaaaaastre! este trabajo nos anima como espectadores a que desde nuestras pantallas exploremos ese mundo imaginado, es tan grande que si lo imprimes a 300 dpi abarcaría al menos unos 14 metros de ancho.
Munroe ya no solo se dedica a xkcd, sino que también puso en marcha a WHAT IF? una serie de ensayos ilustrados que contestan preguntas hipotéticas basadas en leyes de  física, como por ejemplo, si cada persona en la tierra dirigiera al mismo tiempo un puntero de láser a la luna, ¿cambiaría de color? cuyas publicaciones las hace todos los martes.

Munroe cuenta que: La idea de hacer WHAT IF? surgió de unas clases que daba como voluntario en el MIT (Instituto de Tecnologia de Massachusetts)  a chicos de preparatoria... y aquí les dejo la entrevista ¡disfrutenla!  A conversation with Randall Munroe

Zittel y su concepto de libertad...

Andrea Zittel nació en Escondido, California, en 1965. Recibió un BFA (Bachelor of Fine Arts) en pintura y escultura en 1988 de la Universidad Estatal de San Diego,  un MFA en escultura en 1990 de la Escuela de Diseño de Rhode Island. Las esculturas e instalaciones de Zittel transformaron lo necesario o más básico para vivir ( como comer, dormir, bañarse y socializar) en experimentos 'artístico-sociales' si se puede decir así. Prácticamente Borrando o haciendo muy difusa la ya delgada linea que divide la vida y el arte, sus proyectos se extienden hacia su hogar y armario. Usa una sola muda de ropa todos los días, cambiándola solo dependiendo de las estaciones del año, y constantemente remodela su casa para que cubra expectativas y diferentes intereses, Zittel continuamente reinventa el ambiente donde se desenvuelve. Influenciada por el diseño y arquitectura modernista de los comienzos del siglo XX, las organizaciones del Zittel llamadas one-woman mock , A–Z Administrative Services, desarrollan muebles, viviendas y vehículos para consumidores contemporáneos con una simplicidad y organización importantes. Buscando mantener un sentido de libertad a través de la estructura, su interés va dirigido a la revelación o comprensión del interés del ser humano a su necesidad de orden y no a prescribir un principio de diseño o estilo unificante.  'Las personas dicen: su trabajo es acerca del control. pero no lo es,' resalta Zittel. “Estoy siempre buscando el área gris entre libertad (que aveces puede llegar a sentirse muy amplia) y seguridad' que puede fácilmente convertirse en confinamiento' su "Propiedad de bolsillo A–Z ," una fantasía flotante de 44 toneladas, anclada en Islandia, la costa de Dinamarca, allí contrapone los extremos de un 'escape creativo' con el aislamiento que ocurre cuando una persona es de alguna manera removida de la sociedad o simplemente se aísla. Alterando y examinando aspectos de la vida que por lo general damos por sentados, ella crea soluciones 'artesanales' que responden al ritmo del día a día de todos y a la necesidad de que su entorno coincida al cambiante aspecto de la vida o de las vidas.
 Ella vive entre California y Nueva York, en la wikipedia sus trabajos los clasifican como arte relacional (si lo revisan a lo mejor lo encuentren tan interesante como yo), aparte, obviamente de instalación y escultura, les adjunto dos videos, uno es una entrevista que realizó la organización de art21  y el otro es uno que conseguí tipeando su nombre en el buscador de Vimeo, y resulta que tiene una suscripción Zittel, en ese video describe la intención de uno de sus proyectos llamado 'Small Liberties' para el que creo una serie de 'refugios temporales' llamados 'Station Wagon', aparece también el registro de como algunos amigos y colaboradores han estado llevando a cabo esta propuesta,  es interesante ver como ellos o cada quién va haciéndole adiciones o cambios a la 'station wagon'  para cubrir ciertas necesidades personales.


Small Liberties from andrea zittel on Vimeo.

Kent Anderson Butler...

 En 1918, el artista vienés Oskar Schlemmer escribió lo siguiente desde el campo de batalla: 'el nuevo medio artístico es mucho más directo: el cuerpo humano'.

Kent presenta a mi parecer una gran variedad de autorretratos tomando su cuerpo como pieza central para decirnos que la vida no es tan simple y cómoda como parece, toma su cuerpo como herramienta principal, inestable y temporal. Va planteándose situaciones y mostrando como su cuerpo reacciona a todas esas pruebas, por ejemplo, la pieza llamada 'Viginal wound' del 2007 va quitandose con las uñas la piel de los lados, 'los cueritos' del pulgar. En lo personal yo lo hago, hasta que sangra, pero no es lo mismo hacerlo que verlo y es ahí donde empiezas a cuestionarte sobre que pasa, como pasa y porqué pasa. El dice que, asi no guste de su cuerpo y que en cierta manera tiene una lucha continua con el, puede y va a seguir creando con su cuerpo, que es el recipiente que lo contiene y que nadie puede parar ese acto de usar su cuerpo como lienzo, pincel marco y pedestal.

Submergence: 2008

esta pieza recuerdo haberla visto en la Bienal de Arte Contemporáneo que tuvo lugar aquí en Mérida - Venezuela y recuerdo haberme ido después de un momento a 'respirar'. Hay una comunicación de su obra con el espectador, el dice que quiere lograr un tipo de tensión entre la obra y la audiencia incluyendo la mirada en su obra.

 Kent Anderson Butler during his 10 year retrospective entitled "Embodied" at CSU Pomona's W. Keith and Janet Kellogg Gallery. Topics include Kent's childhood, education, past work, and current occupation as a teacher as Cal State Azusa.


Kent Anderson Butler  es un artista  establecido en Los Angeles ha trabajado en variedad de medios incluyendo video instalación, performance y fotografía. Ha participado en exhibiciones individuales y colectivas nacional e internacionelmente incluyendo: La Bienal internacional de arte contemporaneo, Venezuela, El Museo de Arte de Pasadena, Fringe Exhibitions – Los Angeles, Orange County Museum of Art, Cave Gallery- Brooklyn, NY, Photo Miami, Track 16 Gallery- Santa Monica, Carl Berg Projects-West Hollywood, Art Center College of Design, and Hunter College, NY. Sus trabajos de video arte estan también en las librerias de video arte en Pierogi Gallery en Brooklyn, NY, y Fringe Exhibitions. 
Kent anderson Butler.

Laylah Ali

 Una de las cosas que veo de su trabajo es que tiene una investigación de simbología sociopolítica, ella recolecta imágenes de los diarios, toma historias y características de personajes como por ejemplo Michael Phelps y toma su dentadura como referencia para alguno de sus personajes.

combina, juega con estos, los pone en escenas llenas de tensión. 

Ella dice que  sus personajes de cabezas verdes tienen el mismo color en la piel, y en su cabeza, se pregunta ¿sera un problema solo del color? ¿sera que el color oscuro en la piel de la gente absorbe más luz y es por eso que hay que mirarlos más de cerca? y se siente fascinada por como el color juega un papel tan importante en la lectura de estas escenas, ¿será que a lo mejor el racismo viene dado por un extraño fenómeno visual? así como ella se pregunta acerca de sus personajes, que  representan, y te cuentan una historia cargados de características físicas que mezclan diferentes culturas, y posciciones políticas o simplemente de poder, tu mismo empiezas a atribuirle un sentido y hacerte preguntas acerca de lo que está o no pasando...

Laylah Ali  (American, 1963) 

http://www.303gallery.com/artists/ali/la-selected.html

Susan Rothenberg y sus cotidianidades

Susan Rothenberg nació en Buffalo, New York, en 1945. recibió un BFA  (Bachelor of Fine Arts)  de la Universidad de Cornell. Sus  primeros trabajos —grandes pinturas, figurativas en acrílico — se dieron a conocer en el mundo del arte neoyorquino  por los 70s, en un tiempo espacio casi dominado y definido por la estética y teoría minimalista. Los primeros trabajos con los que Rothenberg se dio a conocer fue con sus pinturas de tamaño natural de caballos. Parecidos a glifos e iconos, no eran tan abstractos como reducidos a sus elementos más esenciales. Los caballos, junto con partes de cuerpos fragmentadas (cabezas, ojos, y manos) eran casi totémicas, como símbolos primitivos, sirviendo de  elementos formales y llevándola a investigar el significado de su mecánica y esencia. Los trabajos de 1990 reflejan su traslado de Nueva York a Nuevo México, su adopción de la pintura al oleo, y su interés por observar y recordar eventos (un accidente de equitación, una picadura de abeja casi fatal, pasear al perro, un juego de póquer o dominó) como armazón para crear sus pinturas. estas escenas extraídas de su día a día, ya sea resaltando u acontecimiento adverso o que venga a su memoria y cobren vida a través de capas gruesas y brochazos nerviosos. Una de sus particularidades es la perspectiva elevada o inclinada, en la que el punto de vista se encuentra muy por encima del suelo.
Observa todos los días un mismo sitio, espacio y dibuja, como mínimo traza una linea, y rehace la escena...  

Susan Rothenberg recibió una beca de la Fundación Nacional de las Artes, la Medalla Skowhegan de Pintura. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Bellas Artes, Boston, Dallas Museum of Art, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC, Los Angeles County Museum of Art, Museum of Contemporary Art, Chicago, Walker Art Center, Minneapolis; y la Tate Gallery, Londres...



http://www.pbs.org/art21/artists/susan-rothenberg

Watch Memory on PBS. See more from ART:21.

David Spriggs

Maya Lin

Nació en Athens, Ohio el 5 de Octubre de 1959, de padres Chinos.

Está actualmente trabajando en un monumento que tiene como objetivo sembrar conciencia sobre la crisis en torno a la biodiversidad y la pérdida de hábitat


A lo largo de su carrera Maya Lin ha mantenido un cuidadoso balance entre el arte y la arquitectura, construyendo un importante portafolio que incluye grandes instalaciones destinadas a sitios específicos, obras de estudio más íntimas , trabajos arquitectónicos y monumentos.


El paisaje es el contexto y la fuente de inspiración de Lin. Ella mira con curiosidad los paisajes a traves de un lente del siglo XXI, fusionando el orden racional y tecnológico con nociones de lo trascendental y belleza. utilizando herramientas tecnológicas para estudiar y visualizar el mundo natural, ella toma imagenes macro y micro de la tierra usando escaneos con el SONAR, dispositivos de cartografía aerea y satelital, para luego traducirlas en esculturas, dibujos e instalaciones que incluso se podrían tomar como propuestas de Land art. Sus obras abordan la forma en que nos relacionamos y respondemos al medio ambiente, y nos presenta nuevas formas de ver el mundo que nos rodea. 

De sus recientes trabajos relacionados con el medio ambiente, como el de 'Storm King Wavefield', 'donde la tierra se encuentra con el mar' y la Línea de los Once Minutos,  hasta el Monumento a los Veteranos de Vietnam, donde cortó, abrió el suelo, y pulió sus bordes para crear una historia incrustada en la tierra. Lin siempre ha explorado la forma en que experimentamos el paisaje. Realizando obras que se funden por completo con el terreno, desdibujando los límites que hay entre las dos y tres dimensiones del espacio, estableciendo un ordenamiento sistemático de la tierra ligado a la historia, el idioma, y el tiempo. 

Su obra de estudio ha sido mostrada en exposiciones individuales y colectivas en museos a lo largo y ancho de los Estados Unidos y el extranjero. La muestra actual de Maya Lin es: 'Paisajes sistemáticos' se originó en 'Henry Art Gallery' en Seattle y es la primera en traducir la escala y la capacidad de inmersión de sus instalaciones en el exterior al espacio interior de un museo. Maya Lin: 'Tres maneras de mirar la Tierra', 'Selecciones de Paisajes sistemáticos' se mostró recientemente en la Galería Pace (antes Pace Wildenstein) en septiembre de 2009.


Es una ecologista comprometida, ha estado consistentemente enfocada y preocupada por el medio ambiente, promoviendo las construcciones sostenibles en sus trabajos arquitectónicos, y haciendo mientras del medio ambiente el tema central de sus propuestas artísticas.


http://www.mayalin.com/
http://en.wikipedia.org/wiki/Maya_Lin

Louise Caroline Bourgeois

Fue una artista francesa naturalizada estadounidense en 1955 (París, Francia, 25 de diciembre de 1911- Nueva York, Estados Unidos, 31 de mayo de 2010) 
Empezó sus estudios de arte en París, primero en la escuela de Bellas Artes y luego en muchas academias así como en la Escuela del Louvre. Tuvo por esa razón de profesores a artistas como Paul Colin, Cassandre o el mismo Fernand Léger. En sus inicios fue grabadora y pintora, más tarde por los 1940 fue que empezó a dirigir su atención a la escultura, estuvo muy influenciada por la afluencia de los surrealistas europeos que emigraron a los Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial, los inicios de sus esculturas estuvieron compuestos por figuras orgánicas y agrupadas, a menudo talladas en madera. por los sesentas es que empieza a utilizar hule, bronce, y piedra, las piezas se fueron agrandando y ya eran más referenciales hacia el que seria el tema dominante en sus trabajos, su infancia.

 “Mi infancia nunca perdió la magia, ni el misterio, y nunca ha perdido el drama.”

Profunda, simbólica, su trabajo usa la relación con sus padres y el rol que la sexualidad jugó en los principios su vida familiar como un vocabulario que le ayuda a entender y de alguna manera rehacer esa historia. El antropomorfismo que van tomando sus piezas — los cuerpos femeninos y masculinos son referentes continuos y renovados— estan cargados  de sexualidad e inocencia y su mutua interacción. Los trabajos de Bourgeois están entre las colecciones de los museos más importantes alrededor del mundo.

…’El sentimiento de crear es verdaderamente una lucha contra la depresión, la cosa es no deprimirse, lo cual no es interesante en absoluto; lo que interesa es salir de la depresión y la manera de salir es tener una pareja de ideas brillantes, esto realmente funciona. Naturalmente necesita de una disciplina, pero es realmente lo que está detrás del trabajo. Es  como decir “mañana será un gran día”, porque decir esto es ridículo, mañana será igual a ayer, pero de alguna manera salta algún resorte y piensas, “ mañana lo conseguiré”. Si eres un escultor tienes algo, el trabajo está allí, habla por ti.

Tengo una vida pequeña, estoy muy concentrada. Mi arte es preciso y cada día es lo mismo. La disciplina, la rutina, no me preocupa. Nunca me tomo vacaciones, no las disfruto. En Europa no hay nada para mí, Europa no me fascina. Lo que me fascina es tener una meta que sea muy difícil de conseguir.

Estoy interesada en el metro de NY, en entrar allí y en observar cómo la gente se va a trabajar cada mañana, me fascina que no se caigan en la vías, cómo son capaces de llegar cada mañana a sus trabajos y cómo los vagones se quedan desiertos a las nueve y cinco. Me fascina cómo funciona toda esa gente, no diría que son felices, pero siguen. Esto para mí es una maravilla.’

Louise Bourgeois

Entrevista a Louise Caroline Bourgeois

Kiki Smith

Nació en Nuremberg, Alemania en 1945, pero muy pronto se trasladó con su familia a Nueva York. su padre el escultor Tony Smith, trató de inculcarle desde pequeña el interés por el mundo de las artes y desde niña tuvo ocasión de compartir veladas con creadores de la talla de Jackson Pollock, Mark Rothko o Richard Tuttle. En 1976, tras un breve paso por la Hartford Art School, decidió establecerse como artista en Nueva York. No fue sino hasta 1983, que consiguió que le realizaran una individual en The Kitchen, exposición a la que siguieron otras en el P.S.1, Artists Space, Fawbush Gallery o Pace Wildenstein Gallery. Fue en esos años, cuando comenzó a interesarse por el tema de la mortalidad y del cuerpo humano, sus órganos, fluidos y sistemas. Al mismo tiempo, Smith fue encontrando una equivalencia entre la delicadeza y la fuerza de los cuerpos con las de los materiales y, así, existe relación entre la fragilidad de la piel y de los papeles hechos a mano, o la flexibilidad de algunos órganos con la cera y el plástico. El campo se fue ampliando cada vez más, y una vez dominadas las cuestiones físicas, en los noventa aumenta el vocabulario corporal y su relación física y simbólica con la sociedad.

Soy muy terca, no creo muchas de las cosas que la gente me dice hasta verlas por mi misma. Pero ser observadora es un buen proceso para aprender, únicamente uno aprende de las cosas que se tocan y son hasta cierto punto fácil de traducir hacia otros medios y ser rápidamente comprendidas. Es como si no tuvieras suficiente información de tu cuerpo para hacer algo, podrías moverte alrededor únicamente, como si vieras algo que necesitas y sabes que lo puedes hacer en cerámica, uno puede hacer cualquier cosa si cuenta con la suficiente experiencia tanto de conocimiento como de trabajo físico.

Kerry James Marshall

17 de Octubre de 1955, Nació en Birmingham, Alabama, y Creció al sur de Los Angeles. Kerry se graduó en el 'Otis Art Institute' en Los Angeles, donde recibió un BFA, y un doctorrado honoris causa (1999). el tema en sus pinturas, instalaciones, y proyectos públicos es a menudo tomado de la cultura Afroamericana popular, y las raíces que echó en los sitios donde creció: 'no puedes haber nacido en  Birmingham, Alabama, en 1955, crecido en el sur central [Los Angeles] cerca de la cede de las panteras negras, y no sentir que tienes una responsabilidad social; tampoco te puedes mudar a  Watts en 1963 y no hablar de ello. Eso determino muchas de las direcciones de mi trabajo” dice Marshall. 

En su serie "Souvenir", con una serie de esculturas y pinturas le hace tributo  a los derechos civiles, y con sellos de 'mammoth' que tienen consignas de la época “Black Power!” también con pinturas de las salas de estar de gente de la clase media, Ciudadanos afroamericanos que se convirtieron en ángeles con una  tendencia al orden domestico, auspiciado por los fantasmas de Martin Luther King, Jr., John F. Kennedy, Robert Kennedy, y otros héroes de los 1960s. En "RYTHM MASTR," Marshall crea una novela gráfica para el siglo XXI, trayendo a la vida esculturas africanas antiguas en contra de una élite del ciberespacio que se arriesga a perder el contacto con la cultura tradicional. Gran parte del trabajo de Marshall está basado en referencias de la historia del arte, desde el renacimiento hasta el arte folclórico africano , desde El Greco hasta Charles White. 

Uno de los aspectos más importantes en sus pinturas es el enfático color negro del tono de piel de sus personajes, aspecto que dice haber desarrollado a partir de una investigación sobre la invisibilidad de los negros en América y la connotación negativa e innecesaria asociada a la oscuridad. Marshall cree, “aun te tienes ganar la atención de la audiencia cada vez que haces algo.” la verdadera belleza de su trabajo habla de un arte que a su vez es formal, rigurosa y está socialmente comprometida.

Fruto Vivas!

(Hola, voy a trabajar con el para el proyecto de 'estrit art' jejeje un bombardeo histórico, 'let's boomb da city!' muajajá 'go for it!' diría un pana)

José Fructoso Vivas Vivas  (Fruto Vivas) (Nació en la curva del Callejón del Verde, municipio Jáuregui del estado Táchira - Venezuela; el 21 de enero de 1928) es de origen judío sefardita, es uno de los arquitectos venezolanos más reconocidos nacional e internacionalmente y político venezolano, antiguo militante del Partido Comunista de Venezuela (PCV); durante el proceso de Lucha Armada en la década de los sesenta! en 1956 se gradua de arquitecto en la UCV Universidad Central de Venezuela, en 1963 construye en Los Teques (muy cerca del estado Miranda), una fabrica de explosivos llamada 'el garabato'. También es responsable de elaborar la mayoría de las casas seguras y refugios de armas de las Fuerzas Armadas de Liberación Nacional (FALN) del PCV y del Partido de la Revolución Venezolana (PRV).

Trabajó con el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer (otro super genial arquitecto brasileño) en el  Museo de Arte Moderno de Caracas) y el español Eduardo Torroja (Club Táchira). Construyó el Pabellón de Venezuela para la Exposición Universal de Hannover 2000, proyecto polémico pero que resultó del agrado de los visitantes (fue, luego del Pabellón de Alemania, el segundo más visitado). Está caracterizado por la forma de flor, la ligereza de la estructura de acero y vidrio, la movilidad de la cubierta y el contenido de la exposición basado en la biodiversidad del país. Una flor sobredimensional de 18 metros de altura sobresale del edificio. Sus pétalos de diez metros se abren y cierran según el estado del tiempo. La presentación en sí es un ejemplo de la diversidad biológica del país: miles de plantas tropicales y numerosos peces exóticos forman parte de la exposición dentro del pabellón de cristal. Las cuatro terrazas de la construcción simbolizan un tepuy, la meseta aplanada y de bordes abruptos típica de la región fronteriza entre Venezuela, Brasil y Guayana.

En 1987 recibió el Premio Nacional de Arquitectura de Venezuela. En 2009 recibió el título de Doctor Honoris Causa de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela. En 2011 recibio el titulo de Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional Experimental del Tachira (UNET).

Su filosofía, de alguna manera, es hacer que la arquitectura se vuelva parte de la naturaleza y por ende la vida del hombre textualmente dice:

Yo hablo de árboles para vivir como un sueño posible. Coexistir con la naturaleza sin que seamos más importantes que la flor del mastranto o una mariposa.

¿Qué es la estructura límite aplicada al problema de la vivienda en Venezuela?

La estructura límite está muy ligada a la idea del andamio al ser aplicada a la vivienda. Pongo el ejemplo del andamio para hacer una objetivación de una estructura liviana aplicable en la vivienda. Nosotros llamamos estructura límite a aquella estructura que está en el máximo de su optimización: donde menos material no se puede poner, pero está en su máxima rigidez. Es una estructura óptima. Por ejemplo: todas las estructuras de la naturaleza, todas incluyéndonos a nosotros, somos estructuras límites. ¿Por qué? Porque no puede tener menos material, ni necesita más. ¿Cuándo en la técnica se hace una estructura límite? Cuando la necesidad de optimización así lo demanda. Tú no puedes poner más vidrio en un bombillo del que ya tiene, no puedes ponerle a un avión más peso del que demanda en un diseño porque no te vuela, ni menos peso porque se te parte. Entonces [esto] se conoce con el nombre de "Estructura Límite".

aparte de eso tiene la genial y práctica idea de hacer un teleférico solo para personas así no tendríamos que viajar en ferri a Margarita, Fruto explica que Los vagones deben llevar sólo a personas, deben ir a un nivel de tan sólo 5 metros por encima del nivel del mar y deben estar decorados o pintados como aves típicas venezolanas con alas grandes para que los pájaros no choquen contra estos. 

"Ya todo está pensado". "Margarita necesita la gente, pero no necesita más carros".

Bruce Nauman

Nauman nació en 1941, en Estados Unidos, artista conceptual, fue uno de los primeros artistas en usar el neón, es escultor, fotógrafo, performancista, estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin - Madison y artes en la Universidad de California Davis, en los 80 se mudó a Nuevo Méjico, poco despues de graduarse tenia la confrontación de si, ' si era un artista y estaba en el estudio, entonces todo lo que el hiciera debía ser arte' en ese momento el arte se convirtió para el más en una actividad y menos en un producto. Entre 1966 y 1970 realizó varios vídeos en el que utilizaba su cuerpo para explorar el potencial de arte y el rol del artista, e investigar los estados psicológicos y códigos de conducta, otra gran parte de su trabajo se centra en el lenguaje y su ambivalencia, por ejemplo, el neón 'run for fear - fun from rear' (corre por miedo - diversión desde atrás) o la fotografía 'bound to fail' (atado al fracaso) en la cual se muestran sus brazos atados a la espalda. Sin embargo hay una seria preocupación, pareciera estar fascinado por la naturaleza de la comunicación y los problemas inherentes al lenguaje, así como también el rol que cumple el artista como supuesto comunicador y manipulador de símbolos visuales.

Pepón Osorio

Nació en Santurce, Puerto Rico 1955. Es bien conocido por sus  instalaciones a gran escala, estudió en la Universidad Interamericana en Puerto Rico y en el H. Herbert Lehman College de Nueva York, sus obras están influenciadas por su labor como  trabajador social en el Bronx, sus obras van fluyendo a medida que va conociendo e interactuando con la gente de los vecindarios,  el dice que su labor principal es: 'devolver el arte a la comunidad', un ejemplo reciente es 'la casa de Tina' un proyecto que realiza con la colaboración de una familia que se esta recuperando de haber perdido su hogar en un incendio,  La casa es una obra del  tamaño de una sobremesa, cuenta la historia de la noche del incendio y quienes fueron los afectados, la pieza está viajando por el país en una serie de "visitas domiciliarias" visita la casa le pide a nueva familia que la aloje y  tiene que vivir con la obra por un período de al menos una semana, permitiendo que la historia de la "Casa de Tina" llegue a diferentes  hogares y entornos. 

El trabajo de Osorio ha-sido expuesto en el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, El Museo del Barrio, Nueva York, Smithsonian American Art Museum, Washington, DC, El Museo de Arte de Puerto Rico, y El Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico                               

Barry Mcgee

1966, estados unidos. Hizo el bachillerato en 'El Camino High School' al sur de San Francisco, California. Más tarde se graduó en el instituto de arte de San Francisco (1991) con especialización en pintura y grabado.

McGee era parte del movimiento 'the Mission School' y el boom del graffiti en San Francisco en el area de la bahía, a principios de los 90. 
Sus trabajos se basan en gran medida en una visión pesimista de experiencias de la población urbana, que el describe como, “males urbanos, sobreestimulacion, frustraciones, adicciones e intentando controlar el constante bombardeo publicitario ”.
Las pinturas de McGee son muy iconicas, con dominantes figuras centrales, con fondos abstractos, y dripings, parones, campos de color. Tambien ha hecho retratos de personajes de la calle en sus propias botellas de licor vacías, en latas de spray aplanadas que recoje en los patios de trenes, y carros derby demolición.

ha tenido numerosas exposiciones de arte en muchos tipos de galerias.

Se casó con Margaret Kilgallen, quien murió de cancer en el 2001. tuvieron una hija unas semanas antes de su muerte a la que llamaron Asha.
El valor de su trabajo se elevo en el 2001, a causa de haber sido incluido en la bienal de Venecia y en otras exposiciones importantes, por esto muchas de sus obras en las calles de San Francisco han sido robadas o 'rescatadas'

He and his wife are beautiful losers

Sally Mann

Sally Mann Nació un 1 de mayo de 1951 Lexington (Virginia) donde aún vive con su esposo Larry, abogado de profesión, con quién tuvo tres hijos: Jessie, Emmett y Virginia, protagonistas de algunos de sus mejores retratos.

Su trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas controversias desatadas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía. Uno de los usos más frecuentes de la fotografía es retratar la intimidad, hacer público lo que antes era privado. En esta línea trabajan artistas de la talla de Nan Goldin o Nobuyosi Araki, pero la obra de Sally Mann destaca tanto por técnica como por contenido. Para  su primer libro, titulado Second Sight y publicado en 1984, reunió las imágenes que había tomado durante los años que estuvo trabajando en Washington y en la Universidad de Lee. En 1988 vio la luz At Twelve: Portraits of Young Women, una recopilación de miradas de adolescentes que buscaban identidad.

De la serie At Twelve- 1983-1985  

                                             

Años después el público pudo disfrutar del libro más conocido de Sally Mann, Immediate Family, publicado en 1992. La obra consta de 65 imágenes en blanco y negro en las que la artista muestra a sus hijos, todos menores de diez años. Nos enfrentamos, a escenas llenas de cotidianidad que invitan a reflexionar sobre la infancia y la pubertad con todos sus elementos inherentes,  pero que también profundiza en una temática mucho más oscura, plagada de sexualidad y muerte. Sally Mann tiene algo que me encanta y es que tenemos la oportunidad de deleitarnos con unas imágenes  que personalmente encuentro de una delicadeza brutal, de una atmósfera tan etérea como la misma infancia y la vida misma, lo se, es Sally Mann y a algunos les puede parecer que está sobre valorada, al final de la entrada dejo un link a uno de sus libros, a ver si cambian de parecer (:  Immediate Family desató controversia, hasta el punto de que una de sus imágenes, Virginia at 4, fue censurada al considerarse cercana a la pornografía infantil.



En los noventa comenzó a fotografiar paisajes usando el método del colodión húmedo y una vieja cámara de 8×10. A partir de estas escenas creó Still Time. es una obra marcada por la muerte, y la nostalgia, plagada de sangre, cadáveres y descomposición. De las cinco partes en las que está dividida sólo la quinta es aparentemente más amable, ya que recurre a primeros planos de los rostros de sus hijos.

 

Actualmente está trabajando en una serie sobre su marido, afectado por una distrofia muscular. 

Una de las características que le destaca de otros fotógrafos es la técnica del 'revelado' un método casi olvidado que revolucionó el siglo XIX, Gustave Le Gray creó este proceso en 1845, consiste en extender sobre una placa de vidrio una capa de colodión mezclado con éter sobre la que se aplica otra capa de emulsión química, que posteriormente será revelada mediante sulfato de protóxido de hierro,  el colodión es una especie de barniz que se vierte líquido a las placas y se sensibilizaba en nitrato de plata. Es una técnica compleja, ya que la placa debe permanecer húmeda durante el tiempo de exposición y el vidrio debe estar muy limpio para que no hayan manchas y la fotografía quede nítida. 

Download a PDF of Sally Mann’s Extended Bio
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