Susan Rothenberg y sus cotidianidades

Susan Rothenberg nació en Buffalo, New York, en 1945. recibió un BFA  (Bachelor of Fine Arts)  de la Universidad de Cornell. Sus  primeros trabajos —grandes pinturas, figurativas en acrílico — se dieron a conocer en el mundo del arte neoyorquino  por los 70s, en un tiempo espacio casi dominado y definido por la estética y teoría minimalista. Los primeros trabajos con los que Rothenberg se dio a conocer fue con sus pinturas de tamaño natural de caballos. Parecidos a glifos e iconos, no eran tan abstractos como reducidos a sus elementos más esenciales. Los caballos, junto con partes de cuerpos fragmentadas (cabezas, ojos, y manos) eran casi totémicas, como símbolos primitivos, sirviendo de  elementos formales y llevándola a investigar el significado de su mecánica y esencia. Los trabajos de 1990 reflejan su traslado de Nueva York a Nuevo México, su adopción de la pintura al oleo, y su interés por observar y recordar eventos (un accidente de equitación, una picadura de abeja casi fatal, pasear al perro, un juego de póquer o dominó) como armazón para crear sus pinturas. estas escenas extraídas de su día a día, ya sea resaltando u acontecimiento adverso o que venga a su memoria y cobren vida a través de capas gruesas y brochazos nerviosos. Una de sus particularidades es la perspectiva elevada o inclinada, en la que el punto de vista se encuentra muy por encima del suelo.
Observa todos los días un mismo sitio, espacio y dibuja, como mínimo traza una linea, y rehace la escena...  

Susan Rothenberg recibió una beca de la Fundación Nacional de las Artes, la Medalla Skowhegan de Pintura. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Bellas Artes, Boston, Dallas Museum of Art, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC, Los Angeles County Museum of Art, Museum of Contemporary Art, Chicago, Walker Art Center, Minneapolis; y la Tate Gallery, Londres...



http://www.pbs.org/art21/artists/susan-rothenberg

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David Spriggs

http://www.artishock.cl

Maya Lin

Nació en Athens, Ohio el 5 de Octubre de 1959, de padres Chinos.

Está actualmente trabajando en un monumento que tiene como objetivo sembrar conciencia sobre la crisis en torno a la biodiversidad y la pérdida de hábitat


A lo largo de su carrera Maya Lin ha mantenido un cuidadoso balance entre el arte y la arquitectura, construyendo un importante portafolio que incluye grandes instalaciones destinadas a sitios específicos, obras de estudio más íntimas , trabajos arquitectónicos y monumentos.


El paisaje es el contexto y la fuente de inspiración de Lin. Ella mira con curiosidad los paisajes a traves de un lente del siglo XXI, fusionando el orden racional y tecnológico con nociones de lo trascendental y belleza. utilizando herramientas tecnológicas para estudiar y visualizar el mundo natural, ella toma imagenes macro y micro de la tierra usando escaneos con el SONAR, dispositivos de cartografía aerea y satelital, para luego traducirlas en esculturas, dibujos e instalaciones que incluso se podrían tomar como propuestas de Land art. Sus obras abordan la forma en que nos relacionamos y respondemos al medio ambiente, y nos presenta nuevas formas de ver el mundo que nos rodea. 

De sus recientes trabajos relacionados con el medio ambiente, como el de 'Storm King Wavefield', 'donde la tierra se encuentra con el mar' y la Línea de los Once Minutos,  hasta el Monumento a los Veteranos de Vietnam, donde cortó, abrió el suelo, y pulió sus bordes para crear una historia incrustada en la tierra. Lin siempre ha explorado la forma en que experimentamos el paisaje. Realizando obras que se funden por completo con el terreno, desdibujando los límites que hay entre las dos y tres dimensiones del espacio, estableciendo un ordenamiento sistemático de la tierra ligado a la historia, el idioma, y el tiempo. 

Su obra de estudio ha sido mostrada en exposiciones individuales y colectivas en museos a lo largo y ancho de los Estados Unidos y el extranjero. La muestra actual de Maya Lin es: 'Paisajes sistemáticos' se originó en 'Henry Art Gallery' en Seattle y es la primera en traducir la escala y la capacidad de inmersión de sus instalaciones en el exterior al espacio interior de un museo. Maya Lin: 'Tres maneras de mirar la Tierra', 'Selecciones de Paisajes sistemáticos' se mostró recientemente en la Galería Pace (antes Pace Wildenstein) en septiembre de 2009.


Es una ecologista comprometida, ha estado consistentemente enfocada y preocupada por el medio ambiente, promoviendo las construcciones sostenibles en sus trabajos arquitectónicos, y haciendo mientras del medio ambiente el tema central de sus propuestas artísticas.


http://www.mayalin.com/
http://en.wikipedia.org/wiki/Maya_Lin

Louise Caroline Bourgeois

Fue una artista francesa naturalizada estadounidense en 1955 (París, Francia, 25 de diciembre de 1911- Nueva York, Estados Unidos, 31 de mayo de 2010) 
Empezó sus estudios de arte en París, primero en la escuela de Bellas Artes y luego en muchas academias así como en la Escuela del Louvre. Tuvo por esa razón de profesores a artistas como Paul Colin, Cassandre o el mismo Fernand Léger. En sus inicios fue grabadora y pintora, más tarde por los 1940 fue que empezó a dirigir su atención a la escultura, estuvo muy influenciada por la afluencia de los surrealistas europeos que emigraron a los Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial, los inicios de sus esculturas estuvieron compuestos por figuras orgánicas y agrupadas, a menudo talladas en madera. por los sesentas es que empieza a utilizar hule, bronce, y piedra, las piezas se fueron agrandando y ya eran más referenciales hacia el que seria el tema dominante en sus trabajos, su infancia.

 “Mi infancia nunca perdió la magia, ni el misterio, y nunca ha perdido el drama.”

Profunda, simbólica, su trabajo usa la relación con sus padres y el rol que la sexualidad jugó en los principios su vida familiar como un vocabulario que le ayuda a entender y de alguna manera rehacer esa historia. El antropomorfismo que van tomando sus piezas — los cuerpos femeninos y masculinos son referentes continuos y renovados— estan cargados  de sexualidad e inocencia y su mutua interacción. Los trabajos de Bourgeois están entre las colecciones de los museos más importantes alrededor del mundo.

…’El sentimiento de crear es verdaderamente una lucha contra la depresión, la cosa es no deprimirse, lo cual no es interesante en absoluto; lo que interesa es salir de la depresión y la manera de salir es tener una pareja de ideas brillantes, esto realmente funciona. Naturalmente necesita de una disciplina, pero es realmente lo que está detrás del trabajo. Es  como decir “mañana será un gran día”, porque decir esto es ridículo, mañana será igual a ayer, pero de alguna manera salta algún resorte y piensas, “ mañana lo conseguiré”. Si eres un escultor tienes algo, el trabajo está allí, habla por ti.

Tengo una vida pequeña, estoy muy concentrada. Mi arte es preciso y cada día es lo mismo. La disciplina, la rutina, no me preocupa. Nunca me tomo vacaciones, no las disfruto. En Europa no hay nada para mí, Europa no me fascina. Lo que me fascina es tener una meta que sea muy difícil de conseguir.

Estoy interesada en el metro de NY, en entrar allí y en observar cómo la gente se va a trabajar cada mañana, me fascina que no se caigan en la vías, cómo son capaces de llegar cada mañana a sus trabajos y cómo los vagones se quedan desiertos a las nueve y cinco. Me fascina cómo funciona toda esa gente, no diría que son felices, pero siguen. Esto para mí es una maravilla.’

Louise Bourgeois

Entrevista a Louise Caroline Bourgeois

Kiki Smith

Nació en Nuremberg, Alemania en 1945, pero muy pronto se trasladó con su familia a Nueva York. su padre el escultor Tony Smith, trató de inculcarle desde pequeña el interés por el mundo de las artes y desde niña tuvo ocasión de compartir veladas con creadores de la talla de Jackson Pollock, Mark Rothko o Richard Tuttle. En 1976, tras un breve paso por la Hartford Art School, decidió establecerse como artista en Nueva York. No fue sino hasta 1983, que consiguió que le realizaran una individual en The Kitchen, exposición a la que siguieron otras en el P.S.1, Artists Space, Fawbush Gallery o Pace Wildenstein Gallery. Fue en esos años, cuando comenzó a interesarse por el tema de la mortalidad y del cuerpo humano, sus órganos, fluidos y sistemas. Al mismo tiempo, Smith fue encontrando una equivalencia entre la delicadeza y la fuerza de los cuerpos con las de los materiales y, así, existe relación entre la fragilidad de la piel y de los papeles hechos a mano, o la flexibilidad de algunos órganos con la cera y el plástico. El campo se fue ampliando cada vez más, y una vez dominadas las cuestiones físicas, en los noventa aumenta el vocabulario corporal y su relación física y simbólica con la sociedad.

Soy muy terca, no creo muchas de las cosas que la gente me dice hasta verlas por mi misma. Pero ser observadora es un buen proceso para aprender, únicamente uno aprende de las cosas que se tocan y son hasta cierto punto fácil de traducir hacia otros medios y ser rápidamente comprendidas. Es como si no tuvieras suficiente información de tu cuerpo para hacer algo, podrías moverte alrededor únicamente, como si vieras algo que necesitas y sabes que lo puedes hacer en cerámica, uno puede hacer cualquier cosa si cuenta con la suficiente experiencia tanto de conocimiento como de trabajo físico.

Kerry James Marshall

17 de Octubre de 1955, Nació en Birmingham, Alabama, y Creció al sur de Los Angeles. Kerry se graduó en el 'Otis Art Institute' en Los Angeles, donde recibió un BFA, y un doctorrado honoris causa (1999). el tema en sus pinturas, instalaciones, y proyectos públicos es a menudo tomado de la cultura Afroamericana popular, y las raíces que echó en los sitios donde creció: 'no puedes haber nacido en  Birmingham, Alabama, en 1955, crecido en el sur central [Los Angeles] cerca de la cede de las panteras negras, y no sentir que tienes una responsabilidad social; tampoco te puedes mudar a  Watts en 1963 y no hablar de ello. Eso determino muchas de las direcciones de mi trabajo” dice Marshall. 

En su serie "Souvenir", con una serie de esculturas y pinturas le hace tributo  a los derechos civiles, y con sellos de 'mammoth' que tienen consignas de la época “Black Power!” también con pinturas de las salas de estar de gente de la clase media, Ciudadanos afroamericanos que se convirtieron en ángeles con una  tendencia al orden domestico, auspiciado por los fantasmas de Martin Luther King, Jr., John F. Kennedy, Robert Kennedy, y otros héroes de los 1960s. En "RYTHM MASTR," Marshall crea una novela gráfica para el siglo XXI, trayendo a la vida esculturas africanas antiguas en contra de una élite del ciberespacio que se arriesga a perder el contacto con la cultura tradicional. Gran parte del trabajo de Marshall está basado en referencias de la historia del arte, desde el renacimiento hasta el arte folclórico africano , desde El Greco hasta Charles White. 

Uno de los aspectos más importantes en sus pinturas es el enfático color negro del tono de piel de sus personajes, aspecto que dice haber desarrollado a partir de una investigación sobre la invisibilidad de los negros en América y la connotación negativa e innecesaria asociada a la oscuridad. Marshall cree, “aun te tienes ganar la atención de la audiencia cada vez que haces algo.” la verdadera belleza de su trabajo habla de un arte que a su vez es formal, rigurosa y está socialmente comprometida.

algo que hice algún tiempo atrás...

Esto no es un Magritte

Le Poème de l'Angle Droit (El poema del ángulo derecho o ángulo recto)

Asentado en demasiadas causas mediatas

asentado junto a nuestras vidas

y los otros están allí

y por todas partes están los: «¡No!» Y siempre más contra

que por

No condenar pues a aquél

que quiere asumir su parte en los

riesgos de la vida. Dejad

que se fusionen los metales

tolerad las alquimias que

por lo demás os dejan libres

de castigo

Es por la puerta de las

pupilas abiertas por donde las miradas

cruzadas han podido conducir al

acto fulminante de comunión:

«El ensanchamiento de los grandes

silencios»...

La mar vuelve a descender

a lo más bajo de la marea para

poder subir de nuevo a tiempo.

Un tiempo nuevo se ha abierto

una etapa un plazo un relevo

Así no nos quedaremos

sentados junto a nuestras vidas.

Le Corbusier.

Fruto Vivas!

(Hola, voy a trabajar con el para el proyecto de 'estrit art' jejeje un bombardeo histórico, 'let's boomb da city!' muajajá 'go for it!' diría un pana)

José Fructoso Vivas Vivas  (Fruto Vivas) (Nació en la curva del Callejón del Verde, municipio Jáuregui del estado Táchira - Venezuela; el 21 de enero de 1928) es de origen judío sefardita, es uno de los arquitectos venezolanos más reconocidos nacional e internacionalmente y político venezolano, antiguo militante del Partido Comunista de Venezuela (PCV); durante el proceso de Lucha Armada en la década de los sesenta! en 1956 se gradua de arquitecto en la UCV Universidad Central de Venezuela, en 1963 construye en Los Teques (muy cerca del estado Miranda), una fabrica de explosivos llamada 'el garabato'. También es responsable de elaborar la mayoría de las casas seguras y refugios de armas de las Fuerzas Armadas de Liberación Nacional (FALN) del PCV y del Partido de la Revolución Venezolana (PRV).

Trabajó con el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer (otro super genial arquitecto brasileño) en el  Museo de Arte Moderno de Caracas) y el español Eduardo Torroja (Club Táchira). Construyó el Pabellón de Venezuela para la Exposición Universal de Hannover 2000, proyecto polémico pero que resultó del agrado de los visitantes (fue, luego del Pabellón de Alemania, el segundo más visitado). Está caracterizado por la forma de flor, la ligereza de la estructura de acero y vidrio, la movilidad de la cubierta y el contenido de la exposición basado en la biodiversidad del país. Una flor sobredimensional de 18 metros de altura sobresale del edificio. Sus pétalos de diez metros se abren y cierran según el estado del tiempo. La presentación en sí es un ejemplo de la diversidad biológica del país: miles de plantas tropicales y numerosos peces exóticos forman parte de la exposición dentro del pabellón de cristal. Las cuatro terrazas de la construcción simbolizan un tepuy, la meseta aplanada y de bordes abruptos típica de la región fronteriza entre Venezuela, Brasil y Guayana.

En 1987 recibió el Premio Nacional de Arquitectura de Venezuela. En 2009 recibió el título de Doctor Honoris Causa de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela. En 2011 recibio el titulo de Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional Experimental del Tachira (UNET).

Su filosofía, de alguna manera, es hacer que la arquitectura se vuelva parte de la naturaleza y por ende la vida del hombre textualmente dice:

Yo hablo de árboles para vivir como un sueño posible. Coexistir con la naturaleza sin que seamos más importantes que la flor del mastranto o una mariposa.

¿Qué es la estructura límite aplicada al problema de la vivienda en Venezuela?

La estructura límite está muy ligada a la idea del andamio al ser aplicada a la vivienda. Pongo el ejemplo del andamio para hacer una objetivación de una estructura liviana aplicable en la vivienda. Nosotros llamamos estructura límite a aquella estructura que está en el máximo de su optimización: donde menos material no se puede poner, pero está en su máxima rigidez. Es una estructura óptima. Por ejemplo: todas las estructuras de la naturaleza, todas incluyéndonos a nosotros, somos estructuras límites. ¿Por qué? Porque no puede tener menos material, ni necesita más. ¿Cuándo en la técnica se hace una estructura límite? Cuando la necesidad de optimización así lo demanda. Tú no puedes poner más vidrio en un bombillo del que ya tiene, no puedes ponerle a un avión más peso del que demanda en un diseño porque no te vuela, ni menos peso porque se te parte. Entonces [esto] se conoce con el nombre de "Estructura Límite".

aparte de eso tiene la genial y práctica idea de hacer un teleférico solo para personas así no tendríamos que viajar en ferri a Margarita, Fruto explica que Los vagones deben llevar sólo a personas, deben ir a un nivel de tan sólo 5 metros por encima del nivel del mar y deben estar decorados o pintados como aves típicas venezolanas con alas grandes para que los pájaros no choquen contra estos. 

"Ya todo está pensado". "Margarita necesita la gente, pero no necesita más carros".

Rutina por Rafael Cadenas

Me fustigo.

Me abro la carne.

Me exhibo sobre un escenario.

Alli no ofrezco el número decisivo.

Devorarme ¡mi gran milicia! pero soy también un armador tenaz.

Sé reunirme pacientemente, usando rudos métodos de ensamblaje.

Conozco mil fórmulas de reparación. Reajustes, atornillamientos,

tirones, las manejo todas.

A golpes junto las piezas.

Siempre regreso a mi tamaño natural.

Me deshago, me suprimo, displicente, me borro de un plumazo y

vuelvo a montar el carafresca.

(No se trata de rearmar un monstruo, eso es fácil, sino de devolverle

a alguien las proporciones.)

Planto mi casa en medio de la locuacidad.

Me reconstruyo con un plano inefable.

Calma. Ya está. Entro en la horma.

Poema del Renunciamiento por José Angel Buesa

(La primera vez que oí este poema fue por que mi mamá me lo recitó, y hoy me acorde de ella, supongo que me dio mamitis y bueno, aquí se los dejo, no es la clase de poemas que más disfruto pero me trae buenos recuerdos) 
Pasaras por mi vida sin saber que pasaste.
Pasaras en silencio por mi amor, y al pasar,
fingiré una sonrisa, como un dulce contraste
del dolor de quererte ... y jamás lo sabrás.

Soñare con el nácar virginal de tu frente;
soñare con tus ojos de esmeraldas de mar;
soñare con tus labios desesperadamente;
soñare con tus besos ... y jamás lo sabrás.

Quizás pases con otro que te diga al oído
esas frases que nadie como yo te dirá;
y, ahogando para siempre mi amor inadvertido,
te amare más que nunca ... y jamás lo sabrás.

Yo te amare en silencio, como algo inaccesible,
como un sueño que nunca lograré realizar;
y el lejano perfume de mi amor imposible
rozará tus cabellos ... y jamás lo sabrás.

Y si un día una lágrima denuncia mi tormento,
-- el tormento infinito que te debo ocultar --
te diré sonriente: "No es nada ... ha sido el viento".
Me enjugaré la lágrima ... ¡y jamás lo sabrás!

*

El 5 de Diciembre de 1916 se inauguro en Zúrich, el 'Cabaret Voltaire', organizaron 'espantapajaros contra la guerra' dijo una vez Arp, y reaccionaron, reaccionaron con poesía compuesta de chillidos, gruñidos, (cuando leí esto no paraba de imaginar a un niño tapándose los oídos repitiendo ¡lálálálálálálá!) manifiestos chocantes; algo nuevo salió a la luz, el encanto de lo ilógico, la poesía de lo absurdo y grotesco, se consiguieron nuevos materiales para el arte. Su antiarte se convirtió en arte.