Bruce Nauman

Nauman nació en 1941, en Estados Unidos, artista conceptual, fue uno de los primeros artistas en usar el neón, es escultor, fotógrafo, performancista, estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin - Madison y artes en la Universidad de California Davis, en los 80 se mudó a Nuevo Méjico, poco despues de graduarse tenia la confrontación de si, ' si era un artista y estaba en el estudio, entonces todo lo que el hiciera debía ser arte' en ese momento el arte se convirtió para el más en una actividad y menos en un producto. Entre 1966 y 1970 realizó varios vídeos en el que utilizaba su cuerpo para explorar el potencial de arte y el rol del artista, e investigar los estados psicológicos y códigos de conducta, otra gran parte de su trabajo se centra en el lenguaje y su ambivalencia, por ejemplo, el neón 'run for fear - fun from rear' (corre por miedo - diversión desde atrás) o la fotografía 'bound to fail' (atado al fracaso) en la cual se muestran sus brazos atados a la espalda. Sin embargo hay una seria preocupación, pareciera estar fascinado por la naturaleza de la comunicación y los problemas inherentes al lenguaje, así como también el rol que cumple el artista como supuesto comunicador y manipulador de símbolos visuales.

Pepón Osorio

Nació en Santurce, Puerto Rico 1955. Es bien conocido por sus  instalaciones a gran escala, estudió en la Universidad Interamericana en Puerto Rico y en el H. Herbert Lehman College de Nueva York, sus obras están influenciadas por su labor como  trabajador social en el Bronx, sus obras van fluyendo a medida que va conociendo e interactuando con la gente de los vecindarios,  el dice que su labor principal es: 'devolver el arte a la comunidad', un ejemplo reciente es 'la casa de Tina' un proyecto que realiza con la colaboración de una familia que se esta recuperando de haber perdido su hogar en un incendio,  La casa es una obra del  tamaño de una sobremesa, cuenta la historia de la noche del incendio y quienes fueron los afectados, la pieza está viajando por el país en una serie de "visitas domiciliarias" visita la casa le pide a nueva familia que la aloje y  tiene que vivir con la obra por un período de al menos una semana, permitiendo que la historia de la "Casa de Tina" llegue a diferentes  hogares y entornos. 

El trabajo de Osorio ha-sido expuesto en el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, El Museo del Barrio, Nueva York, Smithsonian American Art Museum, Washington, DC, El Museo de Arte de Puerto Rico, y El Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico                               

Barry Mcgee

1966, estados unidos. Hizo el bachillerato en 'El Camino High School' al sur de San Francisco, California. Más tarde se graduó en el instituto de arte de San Francisco (1991) con especialización en pintura y grabado.

McGee era parte del movimiento 'the Mission School' y el boom del graffiti en San Francisco en el area de la bahía, a principios de los 90. 
Sus trabajos se basan en gran medida en una visión pesimista de experiencias de la población urbana, que el describe como, “males urbanos, sobreestimulacion, frustraciones, adicciones e intentando controlar el constante bombardeo publicitario ”.
Las pinturas de McGee son muy iconicas, con dominantes figuras centrales, con fondos abstractos, y dripings, parones, campos de color. Tambien ha hecho retratos de personajes de la calle en sus propias botellas de licor vacías, en latas de spray aplanadas que recoje en los patios de trenes, y carros derby demolición.

ha tenido numerosas exposiciones de arte en muchos tipos de galerias.

Se casó con Margaret Kilgallen, quien murió de cancer en el 2001. tuvieron una hija unas semanas antes de su muerte a la que llamaron Asha.
El valor de su trabajo se elevo en el 2001, a causa de haber sido incluido en la bienal de Venecia y en otras exposiciones importantes, por esto muchas de sus obras en las calles de San Francisco han sido robadas o 'rescatadas'

He and his wife are beautiful losers

Sally Mann

Sally Mann Nació un 1 de mayo de 1951 Lexington (Virginia) donde aún vive con su esposo Larry, abogado de profesión, con quién tuvo tres hijos: Jessie, Emmett y Virginia, protagonistas de algunos de sus mejores retratos.

Su trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas controversias desatadas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía. Uno de los usos más frecuentes de la fotografía es retratar la intimidad, hacer público lo que antes era privado. En esta línea trabajan artistas de la talla de Nan Goldin o Nobuyosi Araki, pero la obra de Sally Mann destaca tanto por técnica como por contenido. Para  su primer libro, titulado Second Sight y publicado en 1984, reunió las imágenes que había tomado durante los años que estuvo trabajando en Washington y en la Universidad de Lee. En 1988 vio la luz At Twelve: Portraits of Young Women, una recopilación de miradas de adolescentes que buscaban identidad.

De la serie At Twelve- 1983-1985  

                                             

Años después el público pudo disfrutar del libro más conocido de Sally Mann, Immediate Family, publicado en 1992. La obra consta de 65 imágenes en blanco y negro en las que la artista muestra a sus hijos, todos menores de diez años. Nos enfrentamos, a escenas llenas de cotidianidad que invitan a reflexionar sobre la infancia y la pubertad con todos sus elementos inherentes,  pero que también profundiza en una temática mucho más oscura, plagada de sexualidad y muerte. Sally Mann tiene algo que me encanta y es que tenemos la oportunidad de deleitarnos con unas imágenes  que personalmente encuentro de una delicadeza brutal, de una atmósfera tan etérea como la misma infancia y la vida misma, lo se, es Sally Mann y a algunos les puede parecer que está sobre valorada, al final de la entrada dejo un link a uno de sus libros, a ver si cambian de parecer (:  Immediate Family desató controversia, hasta el punto de que una de sus imágenes, Virginia at 4, fue censurada al considerarse cercana a la pornografía infantil.



En los noventa comenzó a fotografiar paisajes usando el método del colodión húmedo y una vieja cámara de 8×10. A partir de estas escenas creó Still Time. es una obra marcada por la muerte, y la nostalgia, plagada de sangre, cadáveres y descomposición. De las cinco partes en las que está dividida sólo la quinta es aparentemente más amable, ya que recurre a primeros planos de los rostros de sus hijos.

 

Actualmente está trabajando en una serie sobre su marido, afectado por una distrofia muscular. 

Una de las características que le destaca de otros fotógrafos es la técnica del 'revelado' un método casi olvidado que revolucionó el siglo XIX, Gustave Le Gray creó este proceso en 1845, consiste en extender sobre una placa de vidrio una capa de colodión mezclado con éter sobre la que se aplica otra capa de emulsión química, que posteriormente será revelada mediante sulfato de protóxido de hierro,  el colodión es una especie de barniz que se vierte líquido a las placas y se sensibilizaba en nitrato de plata. Es una técnica compleja, ya que la placa debe permanecer húmeda durante el tiempo de exposición y el vidrio debe estar muy limpio para que no hayan manchas y la fotografía quede nítida. 

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Página oficial

Richard Serra

 (San Francisco, Estados Unidos; 2 de noviembre de 1939) escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar con grandes piezas de acero corten un tipo de acero que no permite que las piezas se corroan con el tiempo, como si fuera impermeable. El trabajo más temprano de Serra era completamente abstracto; hecho de plomo fundido lanzado contra la pared de un estudio o de un espacio de la exposición, era un claro ejemplo del process art.

En 1981, Serra instaló el Tilted Arc, un muro de acero de 3.5 metros de altura curvado suavemente en la plaza federal en Nueva York, los trabajadores protestaron hasta que al fin la cambiaron de lugar en 1989. 

Otro trabajo famoso de Serra es Snake (Serpiente), este fue establecido permanentemente en la galería más grande del Museo Guggenheim Bilbao. En 2005, el artista presento en el mismo museo, un conjunto escultórico titulado "La materia del tiempo".entrando a formar parte de la colección del museo. Expuestas tambien de forma permanente en la sala más grande del edificio de Frank O. Gehry, siete esculturas se unen a Snake (Serpiente) , creada para la inauguración del Museo Guggenheim Bilbao, conformando una instalación que el propio autor considera la creación más importante de su carrera. En 2006, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid anunció que una de sus esculturas, Equal-Parallel-Guernica-Bengasi, de 36 toneladas, “había sido perdida.” Serra realizó gratis un duplicado, que llegó al museo en diciembre de 2008 y que está expuesta al público en su colección permanente a partir de diciembre de 2009. 

Refiriendose a 'Tilted Arc' Serra dijo: 'Quitar el trabajo sería destruirlo, o es ahí o no será' La descomunal escultura fue desmantelada y convertida en chatarra, convulsionando al escenario cultural. 

¿Quién decide dónde situar el arte? ¿Los políticos? ¿La ciudadanía? ¿Los artistas? Según, Serra dijo: El arte no es placentero. No es democrático. El arte no es para el pueblo.

 'Charlie Brown', año 2000,central de Gap Inc., San Francisco

Su obra, en cambio, desmiente tan arriesgada afirmación. No hace falta saber nada para admirar su monumentalidad. Lejos de abrumar, las medidas de sus esculturas incitan al espectador a olvidar su rol pasivo, obligándolo a tocarlas y pasear entre ellas.

Beautiful Losers

es un documental del año 2008 dirigido por Aaron Rose y co-dirigido por Joshua Leonard. Cuenta con la particupación de varios artistas, entre ellos Harmony Korine, escritor de películas independientes de culto como Kids y Gummo La cinta se centra en la carrera y el trabajo de un grupo de artistas que desde la década de 1990 comenzó un movimiento en el mundo del arte utilizando la estética do it yourself del skateboarding, graffiti y la música underground…

Bajatelo/downloadit!/shhhh ;)

Marisol Escobar

Bueno, resulta que esta guapa señorita Hija de Gustavo Escobar y Josefina Hernández ambos  venezolanos, nacida en parís en 1930, es una gran exponente del pop art a nivel mundial, fue la única mujer activa durante el movimiento. 
Durante la segunda guerra mundial la familia se estableció en Caracas, y en 1946 se mudaron a Los Angeles, California, estudió en el Marymount High School en Sunset Boulevard. En esta escuela tuvo problemas con las monjas que consideraron su personalidad como una mala influencia para las demás chicas, por lo que fue transferida a la exclusiva Westlake School for Girls y es en ese entonces donde empieza a desarrollar su carrera artística. Tuvo a Howard Warshaw como profesor de dibujo en el Jepson Art Institute de los Ángeles. Al terminar el bachillerato se fue a Francia  y estudió por un año en la Ecole des Beaux Arts de París. Luego se muda a Nueva York y estudia en la Hans- Hoffman-School en Provincetown y en la Art students league, Nueva York. Crea sus primeras esculturas de madera y piezas de plástico. en 1958 fue su primera exposición individual en la Leo Castelli Gallery, de Manhattan, donde volvería a exponer entre octubre y noviembre de ese mismo año junto a Robert Rauschenberg y Jasper Johns en la exposición New Works, participa en el festival of Two worlds en Spoleto. 

En 1961, fue incluida en la exhibición "The Art of Assemblage" (El arte del ensamblaje) del Museo de Arte Moderno de Nueva York, la cual se llevó a cabo entre el 2 de octubre y el 12 de noviembre allí Marisol expuso su obra "From France" al lado de artistas ya establecidos del siglo XX como Marcel Duchamp y Pablo Picasso.

En los años 1960 perfeccionó su destreza en la talla de madera, comenzó a trabajar con objetos que se encontraba en la calle e incluso su propia ropa, que al lado de imágenes, tallas o modelos de ella misma, dieron a sus trabajos elementos como de autoreferencia que de alguna manera solidificaron su identidad. por ejemplo en la pieza "Los Generales" (1961-1962), aparecen George Washington y Simón Bolívar montados en un caballo hecho con un barril, las manos de ambos son un modelo de las de Marisol, tambien satirizaba a las personas o situaciones que representaba, criticando la banalidad de la cultura popular y la sociedad en general de ese entonces. Esta es parte de la historia de como Marisol se convirtió en protagonista del movimiento pop de Nueva York junto a artistas como Roy Lichtenstein y Andy Warhol, a pesar de que rara vez utilizaba imágenes comerciales en sus obras...