Poema del Renunciamiento por José Angel Buesa

(La primera vez que oí este poema fue por que mi mamá me lo recitó, y hoy me acorde de ella, supongo que me dio mamitis y bueno, aquí se los dejo, no es la clase de poemas que más disfruto pero me trae buenos recuerdos) 
Pasaras por mi vida sin saber que pasaste.
Pasaras en silencio por mi amor, y al pasar,
fingiré una sonrisa, como un dulce contraste
del dolor de quererte ... y jamás lo sabrás.

Soñare con el nácar virginal de tu frente;
soñare con tus ojos de esmeraldas de mar;
soñare con tus labios desesperadamente;
soñare con tus besos ... y jamás lo sabrás.

Quizás pases con otro que te diga al oído
esas frases que nadie como yo te dirá;
y, ahogando para siempre mi amor inadvertido,
te amare más que nunca ... y jamás lo sabrás.

Yo te amare en silencio, como algo inaccesible,
como un sueño que nunca lograré realizar;
y el lejano perfume de mi amor imposible
rozará tus cabellos ... y jamás lo sabrás.

Y si un día una lágrima denuncia mi tormento,
-- el tormento infinito que te debo ocultar --
te diré sonriente: "No es nada ... ha sido el viento".
Me enjugaré la lágrima ... ¡y jamás lo sabrás!

*

El 5 de Diciembre de 1916 se inauguro en Zúrich, el 'Cabaret Voltaire', organizaron 'espantapajaros contra la guerra' dijo una vez Arp, y reaccionaron, reaccionaron con poesía compuesta de chillidos, gruñidos, (cuando leí esto no paraba de imaginar a un niño tapándose los oídos repitiendo ¡lálálálálálálá!) manifiestos chocantes; algo nuevo salió a la luz, el encanto de lo ilógico, la poesía de lo absurdo y grotesco, se consiguieron nuevos materiales para el arte. Su antiarte se convirtió en arte.

Bruce Nauman

Nauman nació en 1941, en Estados Unidos, artista conceptual, fue uno de los primeros artistas en usar el neón, es escultor, fotógrafo, performancista, estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin - Madison y artes en la Universidad de California Davis, en los 80 se mudó a Nuevo Méjico, poco despues de graduarse tenia la confrontación de si, ' si era un artista y estaba en el estudio, entonces todo lo que el hiciera debía ser arte' en ese momento el arte se convirtió para el más en una actividad y menos en un producto. Entre 1966 y 1970 realizó varios vídeos en el que utilizaba su cuerpo para explorar el potencial de arte y el rol del artista, e investigar los estados psicológicos y códigos de conducta, otra gran parte de su trabajo se centra en el lenguaje y su ambivalencia, por ejemplo, el neón 'run for fear - fun from rear' (corre por miedo - diversión desde atrás) o la fotografía 'bound to fail' (atado al fracaso) en la cual se muestran sus brazos atados a la espalda. Sin embargo hay una seria preocupación, pareciera estar fascinado por la naturaleza de la comunicación y los problemas inherentes al lenguaje, así como también el rol que cumple el artista como supuesto comunicador y manipulador de símbolos visuales.

Pepón Osorio

Nació en Santurce, Puerto Rico 1955. Es bien conocido por sus  instalaciones a gran escala, estudió en la Universidad Interamericana en Puerto Rico y en el H. Herbert Lehman College de Nueva York, sus obras están influenciadas por su labor como  trabajador social en el Bronx, sus obras van fluyendo a medida que va conociendo e interactuando con la gente de los vecindarios,  el dice que su labor principal es: 'devolver el arte a la comunidad', un ejemplo reciente es 'la casa de Tina' un proyecto que realiza con la colaboración de una familia que se esta recuperando de haber perdido su hogar en un incendio,  La casa es una obra del  tamaño de una sobremesa, cuenta la historia de la noche del incendio y quienes fueron los afectados, la pieza está viajando por el país en una serie de "visitas domiciliarias" visita la casa le pide a nueva familia que la aloje y  tiene que vivir con la obra por un período de al menos una semana, permitiendo que la historia de la "Casa de Tina" llegue a diferentes  hogares y entornos. 

El trabajo de Osorio ha-sido expuesto en el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, El Museo del Barrio, Nueva York, Smithsonian American Art Museum, Washington, DC, El Museo de Arte de Puerto Rico, y El Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico                               

Barry Mcgee

1966, estados unidos. Hizo el bachillerato en 'El Camino High School' al sur de San Francisco, California. Más tarde se graduó en el instituto de arte de San Francisco (1991) con especialización en pintura y grabado.

McGee era parte del movimiento 'the Mission School' y el boom del graffiti en San Francisco en el area de la bahía, a principios de los 90. 
Sus trabajos se basan en gran medida en una visión pesimista de experiencias de la población urbana, que el describe como, “males urbanos, sobreestimulacion, frustraciones, adicciones e intentando controlar el constante bombardeo publicitario ”.
Las pinturas de McGee son muy iconicas, con dominantes figuras centrales, con fondos abstractos, y dripings, parones, campos de color. Tambien ha hecho retratos de personajes de la calle en sus propias botellas de licor vacías, en latas de spray aplanadas que recoje en los patios de trenes, y carros derby demolición.

ha tenido numerosas exposiciones de arte en muchos tipos de galerias.

Se casó con Margaret Kilgallen, quien murió de cancer en el 2001. tuvieron una hija unas semanas antes de su muerte a la que llamaron Asha.
El valor de su trabajo se elevo en el 2001, a causa de haber sido incluido en la bienal de Venecia y en otras exposiciones importantes, por esto muchas de sus obras en las calles de San Francisco han sido robadas o 'rescatadas'

He and his wife are beautiful losers

Sally Mann

Sally Mann Nació un 1 de mayo de 1951 Lexington (Virginia) donde aún vive con su esposo Larry, abogado de profesión, con quién tuvo tres hijos: Jessie, Emmett y Virginia, protagonistas de algunos de sus mejores retratos.

Su trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas controversias desatadas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía. Uno de los usos más frecuentes de la fotografía es retratar la intimidad, hacer público lo que antes era privado. En esta línea trabajan artistas de la talla de Nan Goldin o Nobuyosi Araki, pero la obra de Sally Mann destaca tanto por técnica como por contenido. Para  su primer libro, titulado Second Sight y publicado en 1984, reunió las imágenes que había tomado durante los años que estuvo trabajando en Washington y en la Universidad de Lee. En 1988 vio la luz At Twelve: Portraits of Young Women, una recopilación de miradas de adolescentes que buscaban identidad.

De la serie At Twelve- 1983-1985  

                                             

Años después el público pudo disfrutar del libro más conocido de Sally Mann, Immediate Family, publicado en 1992. La obra consta de 65 imágenes en blanco y negro en las que la artista muestra a sus hijos, todos menores de diez años. Nos enfrentamos, a escenas llenas de cotidianidad que invitan a reflexionar sobre la infancia y la pubertad con todos sus elementos inherentes,  pero que también profundiza en una temática mucho más oscura, plagada de sexualidad y muerte. Sally Mann tiene algo que me encanta y es que tenemos la oportunidad de deleitarnos con unas imágenes  que personalmente encuentro de una delicadeza brutal, de una atmósfera tan etérea como la misma infancia y la vida misma, lo se, es Sally Mann y a algunos les puede parecer que está sobre valorada, al final de la entrada dejo un link a uno de sus libros, a ver si cambian de parecer (:  Immediate Family desató controversia, hasta el punto de que una de sus imágenes, Virginia at 4, fue censurada al considerarse cercana a la pornografía infantil.



En los noventa comenzó a fotografiar paisajes usando el método del colodión húmedo y una vieja cámara de 8×10. A partir de estas escenas creó Still Time. es una obra marcada por la muerte, y la nostalgia, plagada de sangre, cadáveres y descomposición. De las cinco partes en las que está dividida sólo la quinta es aparentemente más amable, ya que recurre a primeros planos de los rostros de sus hijos.

 

Actualmente está trabajando en una serie sobre su marido, afectado por una distrofia muscular. 

Una de las características que le destaca de otros fotógrafos es la técnica del 'revelado' un método casi olvidado que revolucionó el siglo XIX, Gustave Le Gray creó este proceso en 1845, consiste en extender sobre una placa de vidrio una capa de colodión mezclado con éter sobre la que se aplica otra capa de emulsión química, que posteriormente será revelada mediante sulfato de protóxido de hierro,  el colodión es una especie de barniz que se vierte líquido a las placas y se sensibilizaba en nitrato de plata. Es una técnica compleja, ya que la placa debe permanecer húmeda durante el tiempo de exposición y el vidrio debe estar muy limpio para que no hayan manchas y la fotografía quede nítida. 

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Página oficial

Richard Serra

 (San Francisco, Estados Unidos; 2 de noviembre de 1939) escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar con grandes piezas de acero corten un tipo de acero que no permite que las piezas se corroan con el tiempo, como si fuera impermeable. El trabajo más temprano de Serra era completamente abstracto; hecho de plomo fundido lanzado contra la pared de un estudio o de un espacio de la exposición, era un claro ejemplo del process art.

En 1981, Serra instaló el Tilted Arc, un muro de acero de 3.5 metros de altura curvado suavemente en la plaza federal en Nueva York, los trabajadores protestaron hasta que al fin la cambiaron de lugar en 1989. 

Otro trabajo famoso de Serra es Snake (Serpiente), este fue establecido permanentemente en la galería más grande del Museo Guggenheim Bilbao. En 2005, el artista presento en el mismo museo, un conjunto escultórico titulado "La materia del tiempo".entrando a formar parte de la colección del museo. Expuestas tambien de forma permanente en la sala más grande del edificio de Frank O. Gehry, siete esculturas se unen a Snake (Serpiente) , creada para la inauguración del Museo Guggenheim Bilbao, conformando una instalación que el propio autor considera la creación más importante de su carrera. En 2006, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid anunció que una de sus esculturas, Equal-Parallel-Guernica-Bengasi, de 36 toneladas, “había sido perdida.” Serra realizó gratis un duplicado, que llegó al museo en diciembre de 2008 y que está expuesta al público en su colección permanente a partir de diciembre de 2009. 

Refiriendose a 'Tilted Arc' Serra dijo: 'Quitar el trabajo sería destruirlo, o es ahí o no será' La descomunal escultura fue desmantelada y convertida en chatarra, convulsionando al escenario cultural. 

¿Quién decide dónde situar el arte? ¿Los políticos? ¿La ciudadanía? ¿Los artistas? Según, Serra dijo: El arte no es placentero. No es democrático. El arte no es para el pueblo.

 'Charlie Brown', año 2000,central de Gap Inc., San Francisco

Su obra, en cambio, desmiente tan arriesgada afirmación. No hace falta saber nada para admirar su monumentalidad. Lejos de abrumar, las medidas de sus esculturas incitan al espectador a olvidar su rol pasivo, obligándolo a tocarlas y pasear entre ellas.