Susan Rothenberg nació en Buffalo, New York, en 1945. recibió un BFA (Bachelor of Fine Arts) de la Universidad de Cornell. Sus primeros trabajos —grandes pinturas, figurativas en acrílico — se dieron a conocer en el mundo del arte neoyorquino por los 70s, en un tiempo espacio casi dominado y definido por la estética y teoría minimalista. Los primeros trabajos con los que Rothenberg se dio a conocer fue con sus pinturas de tamaño natural de caballos. Parecidos a glifos e iconos, no eran tan abstractos como reducidos a sus elementos más esenciales. Los caballos, junto con partes de cuerpos fragmentadas (cabezas, ojos, y manos) eran casi totémicas, como símbolos primitivos, sirviendo de elementos formales y llevándola a investigar el significado de su mecánica y esencia. Los trabajos de 1990 reflejan su traslado de Nueva York a Nuevo México, su adopción de la pintura al oleo, y su interés por observar y recordar eventos (un accidente de equitación, una picadura de abeja casi fatal, pasear al perro, un juego de póquer o dominó) como armazón para crear sus pinturas. estas escenas extraídas de su día a día, ya sea resaltando u acontecimiento adverso o que venga a su memoria y cobren vida a través de capas gruesas y brochazos nerviosos. Una de sus particularidades es la perspectiva elevada o inclinada, en la que el punto de vista se encuentra muy por encima del suelo. Observa todos los días un mismo sitio, espacio y dibuja, como mínimo traza una linea, y rehace la escena...
Susan Rothenberg recibió una beca de la Fundación Nacional de las Artes, la Medalla Skowhegan de Pintura. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Bellas Artes, Boston, Dallas Museum of Art, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC, Los Angeles County Museum of Art, Museum of Contemporary Art, Chicago, Walker Art Center, Minneapolis; y la Tate Gallery, Londres...
Nació en Athens, Ohio el 5 de Octubre de 1959, de padres Chinos.
Está actualmente trabajando en un monumento que tiene como objetivo sembrar conciencia sobre la crisis en torno a la biodiversidad y la pérdida de hábitat
A lo largo de su carrera Maya Lin ha mantenido un cuidadoso balance entre el arte y la arquitectura, construyendo un importante portafolio que incluye grandes instalaciones destinadas a sitios específicos, obras de estudio más íntimas , trabajos arquitectónicos y monumentos.
El paisaje es el contexto y la fuente de inspiración de Lin. Ella mira con curiosidad los paisajes a traves de un lente del siglo XXI, fusionando el orden racional y tecnológico con nociones de lo trascendental y belleza. utilizando herramientas tecnológicas para estudiar y visualizar el mundo natural, ella toma imagenes macro y micro de la tierra usando escaneos con el SONAR, dispositivos de cartografía aerea y satelital, para luego traducirlas en esculturas, dibujos e instalaciones que incluso se podrían tomar como propuestas de Land art. Sus obras abordan la forma en que nos relacionamos y respondemos al medio ambiente, y nos presenta nuevas formas de ver el mundo que nos rodea.
De sus recientes trabajos relacionados con el medio ambiente, como el de 'Storm King Wavefield', 'donde la tierra se encuentra con el mar' y la Línea de los Once Minutos, hasta el Monumento a los Veteranos de Vietnam, donde cortó, abrió el suelo, y pulió sus bordes para crear una historia incrustada en la tierra. Lin siempre ha explorado la forma en que experimentamos el paisaje. Realizando obras que se funden por completo con el terreno, desdibujando los límites que hay entre las dos y tres dimensiones del espacio, estableciendo un ordenamiento sistemático de la tierra ligado a la historia, el idioma, y el tiempo.
Su obra de estudio ha sido mostrada en exposiciones individuales y colectivas en museos a lo largo y ancho de los Estados Unidos y el extranjero. La muestra actual de Maya Lin es: 'Paisajes sistemáticos' se originó en 'Henry Art Gallery' en Seattle y es la primera en traducir la escala y la capacidad de inmersión de sus instalaciones en el exterior al espacio interior de un museo. Maya Lin: 'Tres maneras de mirar la Tierra', 'Selecciones de Paisajes sistemáticos' se mostró recientemente en la Galería Pace (antes Pace Wildenstein) en septiembre de 2009.
Es una ecologista comprometida, ha estado consistentemente enfocada y preocupada por el medio ambiente, promoviendo las construcciones sostenibles en sus trabajos arquitectónicos, y haciendo mientras del medio ambiente el tema central de sus propuestas artísticas.
Fue una artista francesa naturalizada estadounidense en 1955 (París, Francia, 25 de diciembre de 1911- Nueva York, Estados Unidos, 31 de mayo de 2010) Empezó sus estudios de arte en París, primero en la escuela de Bellas Artes y luego en muchas academias así como en la Escuela del Louvre. Tuvo por esa razón de profesores a artistas como Paul Colin, Cassandre o el mismo Fernand Léger. En sus inicios fue grabadora y pintora, más tarde por los 1940 fue que empezó a dirigir su atención a la escultura, estuvo muy influenciada por la afluencia de los surrealistas europeos que emigraron a los Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial, los inicios de sus esculturas estuvieron compuestos por figuras orgánicas y agrupadas, a menudo talladas en madera. por los sesentas es que empieza a utilizar hule, bronce, y piedra, las piezas se fueron agrandando y ya eran más referenciales hacia el que seria el tema dominante en sus trabajos, su infancia.
“Mi infancia nunca perdió la magia, ni el misterio, y nunca ha perdido el drama.”
Profunda, simbólica, su trabajo usa la relación con sus padres y el rol que la sexualidad jugó en los principios su vida familiar como un vocabulario que le ayuda a entender y de alguna manera rehacer esa historia. El antropomorfismo que van tomando sus piezas — los cuerpos femeninos y masculinos son referentes continuos y renovados— estan cargados de sexualidad e inocencia y su mutua interacción. Los trabajos de Bourgeois están entre las colecciones de los museos más importantes alrededor del mundo.
…’El sentimiento de crear es verdaderamente una lucha contra la depresión, la cosa es no deprimirse, lo cual no es interesante en absoluto; lo que interesa es salir de la depresión y la manera de salir es tener una pareja de ideas brillantes, esto realmente funciona. Naturalmente necesita de una disciplina, pero es realmente lo que está detrás del trabajo. Es como decir “mañana será un gran día”, porque decir esto es ridículo, mañana será igual a ayer, pero de alguna manera salta algún resorte y piensas, “ mañana lo conseguiré”. Si eres un escultor tienes algo, el trabajo está allí, habla por ti.
Tengo una vida pequeña, estoy muy concentrada. Mi arte es preciso y cada día es lo mismo. La disciplina, la rutina, no me preocupa. Nunca me tomo vacaciones, no las disfruto. En Europa no hay nada para mí, Europa no me fascina. Lo que me fascina es tener una meta que sea muy difícil de conseguir.
Estoy interesada en el metro de NY, en entrar allí y en observar cómo la gente se va a trabajar cada mañana, me fascina que no se caigan en la vías, cómo son capaces de llegar cada mañana a sus trabajos y cómo los vagones se quedan desiertos a las nueve y cinco. Me fascina cómo funciona toda esa gente, no diría que son felices, pero siguen. Esto para mí es una maravilla.’
Nació en Nuremberg, Alemania en 1945, pero muy pronto se trasladó con su familia a Nueva York. su padre el escultor Tony Smith, trató de inculcarle desde pequeña el interés por el mundo de las artes y desde niña tuvo ocasión de compartir veladas con creadores de la talla de Jackson Pollock, Mark Rothko o Richard Tuttle. En 1976, tras un breve paso por la Hartford Art School, decidió establecerse como artista en Nueva York. No fue sino hasta 1983, que consiguió que le realizaran una individual en The Kitchen, exposición a la que siguieron otras en el P.S.1, Artists Space, Fawbush Gallery o Pace Wildenstein Gallery. Fue en esos años, cuando comenzó a interesarse por el tema de la mortalidad y del cuerpo humano, sus órganos, fluidos y sistemas. Al mismo tiempo, Smith fue encontrando una equivalencia entre la delicadeza y la fuerza de los cuerpos con las de los materiales y, así, existe relación entre la fragilidad de la piel y de los papeles hechos a mano, o la flexibilidad de algunos órganos con la cera y el plástico. El campo se fue ampliando cada vez más, y una vez dominadas las cuestiones físicas, en los noventa aumenta el vocabulario corporal y su relación física y simbólica con la sociedad.
Soy muy terca, no creo muchas de las cosas que la gente me dice hasta verlas por mi misma. Pero ser observadora es un buen proceso para aprender, únicamente uno aprende de las cosas que se tocan y son hasta cierto punto fácil de traducir hacia otros medios y ser rápidamente comprendidas. Es como si no tuvieras suficiente información de tu cuerpo para hacer algo, podrías moverte alrededor únicamente, como si vieras algo que necesitas y sabes que lo puedes hacer en cerámica, uno puede hacer cualquier cosa si cuenta con la suficiente experiencia tanto de conocimiento como de trabajo físico.
17 de Octubre de 1955, Nació en Birmingham, Alabama, y Creció al sur de Los Angeles. Kerry se graduó en el 'Otis Art Institute' en Los Angeles, donde recibió un BFA, y un doctorrado honoris causa (1999). el tema en sus pinturas, instalaciones, y proyectos públicos es a menudo tomado de la cultura Afroamericana popular, y las raíces que echó en los sitios donde creció: 'no puedes haber nacido en Birmingham, Alabama, en 1955, crecido en el sur central [Los Angeles] cerca de la cede de las panteras negras, y no sentir que tienes una responsabilidad social; tampoco te puedes mudar a Watts en 1963 y no hablar de ello. Eso determino muchas de las direcciones de mi trabajo” dice Marshall.
En su serie "Souvenir", con una serie de esculturas y pinturas le hace tributo a los derechos civiles, y con sellos de 'mammoth' que tienen consignas de la época “Black Power!” también con pinturas de las salas de estar de gente de la clase media, Ciudadanos afroamericanos que se convirtieron en ángeles con una tendencia al orden domestico, auspiciado por los fantasmas de Martin Luther King, Jr., John F. Kennedy, Robert Kennedy, y otros héroes de los 1960s. En "RYTHM MASTR," Marshall crea una novela gráfica para el siglo XXI, trayendo a la vida esculturas africanas antiguas en contra de una élite del ciberespacio que se arriesga a perder el contacto con la cultura tradicional. Gran parte del trabajo de Marshall está basado en referencias de la historia del arte, desde el renacimiento hasta el arte folclórico africano , desde El Greco hasta Charles White.
Uno de los aspectos más importantes en sus pinturas es el enfático color negro del tono de piel de sus personajes, aspecto que dice haber desarrollado a partir de una investigación sobre la invisibilidad de los negros en América y la connotación negativa e innecesaria asociada a la oscuridad. Marshall cree, “aun te tienes ganar la atención de la audiencia cada vez que haces algo.” la verdadera belleza de su trabajo habla de un arte que a su vez es formal, rigurosa y está socialmente comprometida.
Susan Rothenberg nació en Buffalo, New York, en 1945. recibió un BFA (Bachelor of Fine Arts) de la Universidad de Cornell. Sus primeros trabajos —grandes pinturas, figurativas en acrílico — se dieron a conocer en el mundo del arte neoyorquino por los 70s, en un tiempo espacio casi dominado y definido por la estética y teoría minimalista. Los primeros trabajos con los que Rothenberg se dio a conocer fue con sus pinturas de tamaño natural de caballos. Parecidos a glifos e iconos, no eran tan abstractos como reducidos a sus elementos más esenciales. Los caballos, junto con partes de cuerpos fragmentadas (cabezas, ojos, y manos) eran casi totémicas, como símbolos primitivos, sirviendo de elementos formales y llevándola a investigar el significado de su mecánica y esencia. Los trabajos de 1990 reflejan su traslado de Nueva York a Nuevo México, su adopción de la pintura al oleo, y su interés por observar y recordar eventos (un accidente de equitación, una picadura de abeja casi fatal, pasear al perro, un juego de póquer o dominó) como armazón para crear sus pinturas. estas escenas extraídas de su día a día, ya sea resaltando u acontecimiento adverso o que venga a su memoria y cobren vida a través de capas gruesas y brochazos nerviosos. Una de sus particularidades es la perspectiva elevada o inclinada, en la que el punto de vista se encuentra muy por encima del suelo.
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